E così dolce il suon della sua voce...

Plácido Domingo en el Titanic

2012-01-22T01:34:00.000-08:00

No sé si es casualidad o no que se haya hundido el crucero "Costa Concordia", pero lo cierto es que en este año 2012 se celebra el centenario del hundimiento del Titanic.

El Titanic, el buque de los sueños, el barco bautizado como insumergible, era engullido por las gélidas aguas del Atlántico en la madrugada del 15 de abril del 1912, a las 2.20h.

En el naufragio perecieron unas 1.500 personas y se cuenta que unas 700 y pico fueron supervivientes de esta gran catástrofe.

Y precisamente en este año que se cumple, como he dicho, el centenario de la tragedia, se va a conmemorar la efeméride con la reposición en los cines y en 3D de la película "Titanic" que en 1997 protagonizaron Leonardo di Caprio y Kate Winslet, dirigidos por James Cameron.

"Titanic" fue la segunda película que ganó 11 Oscar y la situan, junto a "Ben-Hur" y la tercera parte de "El señor de los anillos", como una de las tres películas que acumulan más galardones en la historia de Hollywood.

"Titanic" dejó para la historia la magnífica canción interpretada por Celine Dion: "My heart will go on", y para esta ocasión, el gran tenor Plácido Domingo acompañará a la cantante norteamericana, interpretando a dúo el tema de la película.

La versión está prevista que salga el 25 de marzo, junto con un desplegable considerable de información, libros y pegatinas de la película.

¡Muchas felicidades, Maestro Domingo!

2012-01-21T11:19:00.000-08:00

Hace un año estábamos todos esperando que llegara esta noche para festejar los 70 años de Plácido Domingo, junto con los que tuvieron la fortuna de asistir en directo al Teatro Real.

Pues de ello, ya ha pasado un año, y Plácido cumple hoy 71 años, y en esta ocasión lo celebra en Nueva York encarnando el papel del dios Neptuno en la ópera "The enchanted island" que es retransmitida esta tarde en el cine y por radio.

¡¡FELICIDADES, PLÁCIDO!!!

Desde el sofá de casa: el vídeo del "Faust" de Jonas Kaufmann en el MET

2012-01-18T09:50:00.000-08:00

“Ainsi que la briselégère,soulève enépais tourbillons...”

En el momento en que estoyescribiendo estas líneas, no deja de dar vueltas en mí cabeza, y nunca mejor dicho,la música que acompaña a ese texto.

Desde finales de noviembreFaust se ha colado en mí casa de forma insistente.

Por un motivo o por otro siempreha sido una ópera con la que no he acabado de congeniar: tiene arias, dúos yescenas corales realmente preciosas, pero quizás influenciada por un muy malrecuerdo de esta ópera, la única vez que la he visto representada, hizo quequedara arrinconada en una estantería, y salvo incursiones muy concretas,quizás no he sabido valorarla como se merece.

Es la cuarta vez, en tresmeses que la escucho. Grácias a Dios por muy buenos intérpretes queafortunadamente han hecho que olvidara por completo cuando me he enfrentado aella, la mala experiencia que tuve con esta ópera.

En esta ocasión, y para mí, unode los acontecimientos de la presente temporada del MET, ha sido precisamenteeste “Faust” protagonizado por el triplete Jonas Kaufmann – Marina Poplavskaya– René Pape.

Algunos aficionados másafortunados que yo tuvieron la gran suerte de gozarla en pantalla gigante y enel cine.

Desgraciadamente yo no pude,pero casi un mes y medio después, he podido por fin ponerle imagen.

La producción del Sr. DES MACNUFF, muy discutida por lamayoría, no me gustó, pero tampoco me molestó, y eso ya es mucho. Incongruencias,las que queramos. Estupideces, la obra está llena de ellas, pero aún así, nohubo ningún trozo que lograra distraer mí atención (quizás sí algún breveinstante, pero nada serio que truncara la comunión entre los cantantes y eloyente).

Sin embargo, y a pesar de losmuchos peros que se le pueda poner, el impacto visual y dramático de algunasescenas es gratamente impresionante. Al menos, a mi me lo pareció. La lástimade todo ello es que haya tenido que esperar al cuarto acto para que el directorde escena me sensibilice con algunos toques de drama realmente sobrecogedores.Y me gustaría destacar dos, principalmente:

El primero, en el cuartoacto, al final cuando Margarita se pone de parto en la iglesia y se oye elllanto de su bebé. Lo coge de forma amorosa, y lo acalla ahogándolo en la pila(fuente, en la obra) de la iglesia. Me gustaría precisamente destacar eltrabajo que realiza la soprano Marina Poplavskaya en los dos actos finales dela ópera como actriz.

Y subrayo, como actriz, yaque como cantante opinaré más tarde.

Poplavskaya está más quecreíble en su papel de Margarita, y sobre todo, permitidme que haga hincapié,en estos dos últimos actos.

Volviendo a la escenacomentada, el director de escena logra recrear con unos cuantos bancos unaiglesia y la escena final que convierte a Margarita en la asesina de su propiohijo es conmovedora a pesar de ser de una sencillez extrema. La cara de MarinaPoplavskaya anuncia ya lo que será su interpretación artística durante elquinto acto.

Y es en este quinto acto,valga la redundancia, donde el director de escena nos deja otro detallazo delujo: se está ejecutando ya el terceto final. Faust se aproxima a Margaritaque, arrodillada, invoca a los ángeles y a Dios en pro de su salvación.

Creemos que casi estáconvencida – y rendida de nuevo- ante las amorosas palabras de Faust, y que denuevo está decidida a marchar con él, pero cuando escucha el “Alerte, alerte” yreconoce en ella la voz del diablo, ella da el giro definitivo hacia lasalvación. Y se aferra a ella.

Ya puede suplicarle Faust,ella se encomienda a Dios y su fe es más fuerte que su debilidad carnal comomujer.

Hay un momento en que Faustcon su “Viens” se aproxima e intenta tocarla para llevársela, pero ella con ungesto de clara voluntad liberatoria de la tentación a la que está sometiéndolasu amante, se aparta, y se apoya, con algo que debería ser un crescendo(lástima que la voz de Poplavskaya no lo marca lo suficientemente bien)encomendándose sin cesar a los ángeles del cielo.

Hay perdón para ella. Hayperdón para Margarita porque su fe y su creencia es pura. Ha sido una víctimade su debilidad, de su condición humana. Ha sido una víctima de la seducción deun joven, atractivo y apasionado amante, pero su alma es buena.

Por su fuerza, estas fueronlas dos escenas que me impactaron más.

Podría destacar también eldúo de amor entre los protagonistas, o la muerte de Valentín, en una perfectatoma televisiva visualmente genial que hace que creas que, cuando Faust asesinasin piedad a Valentín después de batirse con él en duelo, quien realmente estámanejando la espada de Faust no es el joven, sino Mefistófeles, puesto que consu brazo realiza exactamente los mismos movimientos que Faust.

Como decía, que para ellotengas que esperar al final de la obra es penoso, pero es así.

Sólo me gustaría saber unacosa: qué necesidad hay de hacer subir cuatro o cinco veces a Faust yMefistofeles las escaleras de caracol mientras Margarita canta, o por qué Faustse pasa toda la obra persiguiendo como un loco a Margarita, sea en la escenaque sea, en el escenario, en las escaleras. Siempre detrás. Llega un punto quese hace pesado, y más cuando ya ha tenido su gracia en la escena del baile queme parece bien montada.

Respecto al vestuario, mecentraré en el de los tres protagonistas principales: por lo que se refiere aMargarita, me gustó, puesto que sabe retratar muy bien el la evolución delpersonaje. El vestido blanco y vaporoso de los primeros tres actos, con lamelena suelta pintan a una sensible y sencilla chica que todos adoranprecisamente por su dulzura y bondad. Éste da paso a una ropa mucho másaustera, seria, un pelo más descuidado hasta que la vemos con una sencilla batay el pelo cortado.

Incluso los gestos que lemarcan desde dirección de escena cuando se aleja asustada ante lasaproximaciones de Faust rebelan en ella el carácter de una chiquilla.

En cuanto al vestuariomasculino, el mismo para Faust y Mefistofeles, qué podría decir… me gustómucho. Ciertamente me costaría de escoger uno de ellos, pero me quedaría sinduda con el de Kaufmann con esmoquin negro, chaleco gris y flor blanca en elhojal.

Vista pues la parte escenográfica,pasemos a la musical que estuvo llena de desequilibrios, empezando por unaorquesta desigual a la que le costaba crear el ambiente adecuado.

La dirección de orquesta acargo de YANNICK NÉZET-SÉGUIN noacaba de encontrar la onda, sobretodo en el tercer acto, pero me gustó comoenfocó el dueto de amor, lento, sí, pero para mí consigue el efecto deseado.

MARINA POPLAVSKAYA, Margarita, ya he dicho que la prefiero como actriz a cantante.

Es una soprano bastantedesigual, y para ello me baso en las dos grabaciones que he escuchado de estaversión. La del día del estreno 29/11/2011 no llegó ni a la “M” de Margarita,me pareció realmente fuera de lugar con notas muy estridentes y poco fuelle enel terceto final.

Sin embargo, en la funcióndel día 10/12/2011, retransmitida por radio, y en los cines, estuvo másacertada.

Destacaría tres momentos: labalada de “Le roi de Thulé”, que se mueve en un registro central, su “Il ne revientpas” del cuarto acto, y también el dueto de amor, que aunque alguna que otraestridencia hubo, lo sorteó con bastante fortuna y con bastante buenaexpresión. Ayuda mucho también en este caso, el soporte visual.

En mi opinión, en la conocidaaria de las joyas, fue una de sus peores aportaciones. Un momento que mepareció vacío de matices, de sensibilidad, de intención.

No hizo gala de un granvolumen en el terceto final de la obra, se le hizo bastante cuesta arribaaminorando el efecto de crescendo y crescendo para este sensacional momento.

Un poco lo mismo ocurre conel Faust de JONAS KAUFMANN, quetiene momentos geniales e incluso de descarada insolencia a la hora de afrontarel agudo del “Je t´aime” del segundo acto: redondo, potente y encima apianado.

A nivel escénico, estácreíble. Incluso de viejo Faust, aunque la caracterización del personaje esínfima, ya que debajo de esta peluca blanca y bigote, su piel tersa delata sujuventud.

Creo que supo marcar bien,vocalmente el carácter del doctor viejo con el del joven, pues antes de sutransformación la voz suena más grave, más pesada, más arrastrada. En elmomento en que se nos presenta joven, la voz me suena más ligera, más clara y brillante.

A nivel escénico Kaufmann esun cantante creíble, pero su visión del personaje es a mí parecer, la de unpersonaje torturado, más introvertido que otros Faust que he escuchado. Casinunca se adivina una sonrisa en su boca. Sí, ha conseguido la juventud, pero sugesto demuestra que le falta algo.

Este Faust de Kaufmann,escénicamente hablando, me gusta porque me recuerda a su genial Wertherparisino.

Uno de los mejores momentosvocales de su Faust, es para mi sin lugar a dudas, el dueto de amor: empiezalento, con una voz suave, regulándola, envolviendo a Margarita con sus palabrasseductoras y ella, cae. Claro que cae…

Pero él se da cuenta de quele va a hacer daño, lo sabe, aún sin cantárnoslo, lo sabe. Y eso le duele,pero, hace de tripas corazón y aprovecha el momento que le ha dado el diablo. Faustseduce a Margarita, pero no como otros Faust más alegres, más desenfadados, másegoístas.

La escena final, su“Marguerite” abruma a la muchacha, pero de una forma conmovedora. El seductor,seducido por la juventud de Margarita, se encamina hacia su primera noche deamor con ella.

Me gustó vocalmente en laescena de la muerte de Valentín, pero sin embargo, su “Salut demere...” creoque un cantante como Kaufmann hubiera podido abordarla de una manera muydiferente.

Deja grandes detalles ymatices en su fraseo, pero por primera vez, escuchando a Kaufmann me sucedióalgo: fue precisamente en esta aria en la que pasé apuro. Por primera vez sufrícon una interpretación suya hasta el límite de creer que en cualquier momentose lo podía romper la voz en su ataque “Salut, salut demere chaste e pure… où s´edevinela presence….”.

Justo aquí, en este instante.No le salió como él quería pero resolvió.

De los personajes francesesque le he escuchado, es su “Faust” el que me ha gustado menos. Y es que su“Werther” lo tengo en un pedestal muy alto.

Y ahora que ya he hablado delos dos protagonistas principales, solo comentar que entre ellos no habíaquizás la química suficiente para dar veracidad al flechazo del cual, ambos,acaban de ser víctimas.

Seguro, eficiente, voztimbradísima y presencia escénica adecuada. Me estoy refiriendo claro está alMefistofeles de RENÉ PAPE.

Sobran las alabanzas, no envano fue quizás el intérprete más aplaudido de la representación. Y realmentemerecido.

Buen contraste en susintervenciones con Kaufmann, así como en sus escenas individuales y corales.

Además, Pape, es unintérprete con un talante artístico y expresivo a destacar. La cámaratelevisiva lo sabe, y no deja escapar detalle.

En conclusión un “Faust”diferente pero recomendable que hay que ver.

El dios Neptuno vive ahora en Nueva York

2012-01-13T08:48:00.000-08:00

Cuenta la mitólogía romana, que Neptuno, hijo de los dioses Saturno y Ops, y hermano de Júpiter y Plutón, gobernaba todas las aguas y los mares cabalgando entre las olas con caballos blancos y debía ser obedecido por todos los habitantes del agua.

Neptuno eligió el mar como morada y son su poderoso tridente agitaba las olas, hacía brotar fuentes y manantiales y encauzaba su ira provocando los temibles seismos o terremotos. El dios de los mares era un muy peligroso e inestable elemento, con sus emociones podía provocar desde terribles tormentas y tempestades hasta olas tranquilas y pacíficas, por lo que nunca nadie intentaba provocarlo sin un importante motivo.

Neptuno, aparte de sus caballos y de ser conocido bajo la forma de un caballo, tuvo siempre a su lado a los delfines como cabalgaduras y compañeros.

Era el dios que sostenía el planeta en el que vivimos, porque el océano rodeaba la Tierra y él desde los mares, soportaba el peso de la tierra firme. Además, Neptuno había dado forma a las costas, había arrancado trozos de montañas para formar los acantilados o había pasado la mano por el litoral para dejar suaves playas y abrigadas bahías en las que los barcos encontraban refugio. Por eso, aparte de tener a su lado sirenas traidoras, a las nereidas inigualables, a las oceánides hermosas y a los tritones poderosos, Neptuno era señor de las nifas, ondinas y náyades de los lagos, de los ríos, de las fuentes, todas ellas eran parte de su corte y a él le debían pleitesía y obediencia por ser parte del mundo acuático.

Aunque no fue un amante ni tan afamado ni tan divertido como su hermano Júpiter (Zeus en la mitología griega), Neptuno tuvo su línea de amoríos apasionados y pasajeros.

Su esposa principal fue Anfítrite, una Nereida que le dio como hijos a los tritones, monstruos marinos con rostros humanos barbados y colas como las de los delfines. Los cabellos son algas, tienen agallas tras las orejas y manos que parecen caracoles.

Y precisamente a este dios Neptuno es el personaje que estos días está interpretando el tenor Plácido Domingo en el Metropolitan de Neuva York en la ópera "The Enchanted Island" (La isla encantada) que será retransmitida por Catalunya Música el próximo sábado , 21 de enero coincidiendo con el 71 cumpleaños de nuestro universal tenor, así como transmitida a diversos cines de la cadena Yelmo.

Aquí dejo unas cuantas fotos de Plácido caracterizado como Neptuno:

¡Feliz Año 2012!

2012-01-01T00:41:00.000-08:00

Mis mejores deseos para todos para este año 2012.

Y como todos los amantes de la música nos levantamos el primero de año acompañados por los valses que nos llegan desde la Musikverein de Viena, qué mejor manera de empezar el año que con un vals, ¿verdad?

En esta ocasión dirige Plácido Domingo el vals "Oro y Plata" desdel Covent Garden de Londres.

Una "Tosca" de alto voltaje

2011-12-30T10:09:00.000-08:00

Me permitiréis que esta entrada la haya escrito en mi lengua materna, cosa que no acostumbro a hacer, pero en las circunstancias en que está escrita, no podia hacerlo de otra manera. Para aquellos que no entiendan el catalán les dejo la traducción debajo.

Eren moltes les ganes que tenia de veure aquesta ”Tosca”.

Aquesta òpera, “Tosca”, ha estat, i és, sense cap mena dedubte una de les meves òperes preferides, una d´aquelles que, si hipotèticamenthagués d´endur-me a una illa deserta, ocuparia, junt amb l´”Otello” un lloc bendestacat.

Per la seva inspirada música, però també per l´argument, aixícom pel seu fantàstic llibret, que no precisa – al meu gust- cap retallada,“Tosca” s´erigeix en una de les òperes cabdals i més estimades de tota lahistòria de la composició operística arreu del món.

La “Tosca” no cansa mai, sempre ve de gust, i si com enaquest cas, tenim la gran sort de comptar amb uns excel.lents intèrprets, fa queper vegades que l´haguem vist i escoltat, susciti en nosaltres el suficientinterès com per endinsar-nos una altra vegada a la Roma del 1800 de mans delCavaradossi, la Tosca i el terrorífic Scarpia.

Que afortunada i privilegiada em sento de poder gaudird´aquesta música que estimo tant, i ara (cinc anys enrere no era de la mateixaopinió) lluny de pensar que l´òpera es mor, m´alegra veure que van sorgintintèrprets que, gràcies a Déu, no m´han donat la raó perquè les sevesinterpretacions són genials. I això per mi, és un gran motiu d´alegria.

I el que m´és m´entusiasma és ser capaç de trobar en aquestesnoves interpretacions allò que sempre he defensat i he trobat en altresexecucions, perquè així sempre m´ho han donat els cantants que més admiro: cantunit a la interpretació, capacitat de domini de les palaures junt ambl´expressió i veracitat dalt d´un escenari.

En una etapa operística on tot, menys les veus, semblen tenirmés protagonisme (donem-ne les gràcies a la tirania dels directors d´escena) éssorprenent trobar intèrprets que són capaços – tal i com sempre havia estat ambcantants de generacions anteriors- de posar-te “dins de l´òpera” on tot gira,afortunadament, entorn a la música.

I això, avui en dia, només es pot aconseguir tenint un granrepart, però també a un director d´orquesta amb cara i ulls que sigui capaç defer entendre als seus cantants allò que el public espera (o hauria d´esperar)quan s´enfronten a una òpera com la “Tosca”.

Aquesta “Tosca” té tots els ets i uts per ser cridada aconvertir-se en un dels “hits” més importants, operísticament parlant, de l´any2011.

I com no podia ser d´altra manera, com ve succeïnt desde fauns anys, si vols veure una bona òpera t´has de desplaçar a Londres, al CoventGarden, teatre en el qual es va representar aquesta “Tosca” amb un triplet – potserhauria de dir quartet” molt cotitzat actualment: Gheorghiu- Kaufmann-Terfel,tots tres sota la direcció de l´Antonio Pappano, que no hi espatlla res, ans alcontrari.

PAPPANOés una peça fonamental per aconseguir que aquesta “Tosca” sigui del tot benrodona.

Sempre m´ha agradat perquè copsa a la perfecció l´esperitpuccinià. La seva orquestra creix en volum quan ho ha de fer, i decreix i essuavitza quan així li reclama Puccini.

Puccini troba en la batuta de Pappano allò que ell hauriavolgut, aliat perfecte.

El seu tractament del “tempo” és absolutament genial,sobretot en l´interrogatori en que Scarpia sotmet a Cavaradossi. Aquell canvide “tempo” com si ambdós estessin parlant més amb to de sorna que no pas deserietat és absolutament extraordinari i Pappano sempre acompanya al´intèrpret, deixa que aquest sigui el protagonista i fa gala expressa de queel protagonista és el cantant i no ell.

Només si hagués de posar un “però” en aquesta funció serial´escenografia del tercer acte (de Jonathan Kent) que és força austera i ambuna gran mancança d´elements corpòris que ens indiquin que estan a la presó delCastel Sant´Angelo. Però és l´únic “però”, ja que en els demés actes la postaen escena és correcte.

Per una banda, per mi, el millor decorat correspondria alsegon acte, on trobo – més o menys, la idea d´una “Tosca” més convecional - i,per un altre costat, en el primer acte, sense ser una església tradicional, enssitua dins d´un recinte que vol assemblar-s´hi.

No era la primera vegada que escoltava la “Tosca” a cap delstres intèrprets principals, però mai els hi havia sentit junts en una mateixafunció, on els tres en van sortir victoriosos i amb un munt d´aplaudimentsindividuals.

És una d´aquelles representacions on tot funciona, i a méstots tres estàn creïbles en els seus respectius personatges: dos amants joves quefan patxoca, i un Scarpia àvid de luxúria, brut, i que no perd la composturafins quasi bé al ben mig del segon acte quan comença a grapejar a la Tosca.

I a més, la química entre els intèrprets és més que notoria:sigui Gheorghiu-Kaufmann; o Gheorghiu-Terfel o Kaufmann-Terfel. I això encaraajuda més a fer veraç la història i a arrodonir una millor interpretacióescènica.

Fantàsica – al meu gust- l´ANGELA GHEORGHIU una de les veus de soprano que més estimo: percolor de veu i pel seu timbre inconfundible i per la seva manera d´expressar.

La “Tosca” de l´Angela amb el Kaufmann, és diferenta de la“Tosca” que va fer amb el Roberto Alagna.

Mentres que en la segona té moments d´histerisme, en aquestadarrera del Covent Garden trobo que ha rodat molt bé el seu personatge, queestà a cavall entre una Tosca més noble i inclús més juvenil que en la gravaciód´EMI.

La seva línea de cant m´enamora i la seva credibilitat escènicaés realment sensacional. Ella diu que la “Tosca” li encanta perquè s´interpretaa sí mateixa: potser si, i ella ho deu saber millor que ningú.

Gràcies a Déu, no cau en l´error – com moltes han fet- demostrar una gelosia malaltissa.

Sí, la seva Tosca és “molta Tosca”, però un xic més serenainterpretativament parlant i només cal veure l´escena en que l´Scarpia escriuel salvaconducte: ella agafa el llaç vermell del qual Scarpia s´ha apoderat alprimer acte, i enmig d´una inmensa serenitat, veu el ganivet, i en aquellmoment decideix matar-lo.

Sense soroll, sense crits, sense exageració... És laculminació d´una escena de tensió que l´allibera, que creu que la fa més fortadel que es pensa ser, però en el fons, continua sent una ingènua.

La Tosca de la Gheorghiu juga amb el Cavaradossi amb gestos,amb mirades molt còmplices. És en el fons una nena que no ha madurat i insegurade si mateixa (sino no tindria tants gelos). Per això en veure que el Mario lisegueix la corrent, li plau i s´infla, i intenta fer-li veure que és més fortaque ell –perquè en el fons creu que és així-, i que la que porta el pes de larelació és ella, quan en realitat el Cavaradossi sempre deixa fer.

Què dir del seu “Vissi d´arte”, per mi excepcional comexcepcional són les frases que ens regala en el duet del primer acte. És ungran personatge i ella ho sap i l´explota.

Era la quarta versió que sentia del Cavaradossi en la veu delJONAS KAUFMANN. Per ser sincera lesprimeres que li vaig escoltar no em van agradar gens (Metropolitan i Munich),però va ser gràcies al DVD amb Emilie Maggie que em va començar a convèncer elseu Mario.

La seva interpretació m´agrada malgrat que sempre he dit queli manca per aquest personatge (i pels personatges italians, en general) elpunt de dolçor del meu Mario per excel.lència, clar està que aquest tenor és elPlácido Domingo.

El Jonas dibuixa un altre tipus de personatge sense caure enel tòpic d´imitar a altres grans Marios del passat. La seva imatge de galanjove és idònea en el primer acte quan segueix el joc a la Tosca.

Però ell no deixa de ser mai un home compromès que sap amagarperfectament – davant d´ella – tota mena de preocupacions, evidentment en elprimer acte quan amaga a Angelotti, però també especialment en el darrer quan,mentre la Tosca li explica que ja ha agafat or i joies, i que tenen uncarruatge a punt per fugir de Roma.

En aquest moment veiem de debò a Cavaradossi, que es quedaencantat mirant-la amb mig somriure als llavis i movent el cap subtilment en unmoviment de clara negació: sap que per ell no hi haurà un demà, però no litrenca la il.lusió a la Tosca per no esberar-la i deixa fer una vegada més.

La desesperació final, quan amanillat de nou s´apropaefusivament a la Tosca cercant el darrer petó delata per primera vegada ,envers la Tosca, la seva por, en una acció que ella no acaba d´entendre. Perquè aquella desesperació si l´afusellament és de broma?

El Jonas ens regala moments molt bons en aquesta gravació,però un dels millors és en el tercer acte quan canta “Liberi”. No sabriadefinir ben bé aquest moment amb paraules (és un “Liberi” de resignació,d´incredulitat) i tampoc sóc capaç de reproduir-ho – cantan-t´ho jo- donat quetinc l´orella entrenada a un altre manera de dir aquest “Liberi”, però sónaquests petits detalls el que fa grans a aquests intèrprets i que ensenriqueixen com a oients.

Vocalmentment parlant, m´esperava més en el seu “Vitoria,Vitoria”, potser un xic més de brillantor en la veu, en canvi, fent balanç detots els “E lucevan le stelle” que li he sentit, probablement el del CoventGarden hagi estat el millor.

Frases allargades, fiato més que suficient i amb una claradiferenciació entre les dues estrofes de l´ària: primer rememorant els seusencontres amb la Tosca, les seves abraçades i els seus petons, i d´altra bandala desesperació de l´home que veu desmoronar-se tot el que l´envolta i fa undarrer intent per aferrar-se a la vida, que mai ha estimat tant fins que ésconscient que l´ha perdut.

Sí, l´ha perdut ja des del primer acte quan amaga a Angelottii també des del moment en que ha entrat detingut, en el segon acte, pelsesbirros de l´Scarpia.

A l´igual que deia quan parlava de l´Angela, el Jonas éstambé un intèrpret creïble i que fa veraç l´acció, a més està en plena formafísica: puja i baixa les escales com un fuet i a sobre corrent, i cantant persi fos poc.

I una altra vegada destacar la immensa complicitat que hi haentre ells dos, que és d´agraïr.

Sobre el tema que sempre surt quan es parla de lesinterpretacions del Jonas: que si engola, que si no engola... amb això no m´hiposo donat que en aquest tema no puc discutir, doncs desconec la tècnica elcant. El que sí que puc dir és que a mi m´encanta aquests canvis de color quefa la seva veu i que el fa per mi, un artista especial.

El que guanya en aquesta grabació, respecte a l´audio que javaig escoltar en el seu moment, és sens dubte l´Scarpia del BRYN TERFEL.

El Terfel no té la veu tant maca com el RuggeroRaimondi, o no li trobo la noblesa d´unun Cornel MacNeil, però proposa un gran Scarpia.

Terrorífic, fastigosament desagradable, luxoriós i malvat. Ésun voltor a la caça de la seva presa, i a més a més, la seva figura –gegantesca- li proporciona tota la credibilitat al seu personatge.

I sí, potser em convenç més com a actor que vocalmentparlant.

Recordo que quan la vaig escoltar no em va acabar de fer elpes la seva veu, per mi li faltava més rotonditat i potser més volum. La sevaveu m´arribaba a través de la ràdio més esclarissada i xocava de ple amb elsmeus Scarpies de referència. Malgrat això, en visió m´ha encantat i de fet,quan està ell en escena, acapara tota l´atenció.

I no és per menys, l´Scarpia sens dubte és un paper bombó pelbaríton, i un dels malvats més estimats pel públic.

El que em fa més feliç d´aquesta “Tosca” és el fet de que hihe trobat un foc nou i que ha conseguit entusiasmar-me una altra vegada sensehaver de recórrer a les “velles glòries”, ja que de les darreres Tosques vistesi escoltades millor ni parlar-ne.

De fet, una grabació altíssimament recomanable, vocal iescènicament que vaig tenir la gran sort de poder gaudir gràcies a lagenerositat de l´autor del Blog “In Fernem Land”, al que li estic enormementagraïda.

********************

Traducción:

Eran muchas las ganas que tenía de ver esta "Tosca".

Esta ópera, "Tosca", ha sido, y es, sin lugar a dudas una de mis óperas favoritas, una de aquellas que, si hipotéticamente tuviera que llevarme a una isla desierta, ocuparía, junto con el "Otello" un lugar bien destacado.

Por su inspirada música, pero también por el argumento, así como por su fantástico libreto, que no precisa - a mi gusto- ningún recorte, "Tosca" se erige en una de las óperas caudales y más queridas de toda la historia de la composición operística en todo el mundo.
"Tosca" no cansa nunca, siempre apetece, y si como en este caso, tenemos la gran suerte de contar con unos excelentes intérpretes, hace que por veces que lo hayamos visto y oído, suscite en nosotros el suficiente interés como para adentrarnos de nuevo en la Roma de 1800 de manos de Cavaradossi, de Tosca y del terrorífico Scarpia.
Que afortunada y privilegiada me siento de poder disfrutar de esta música que amo tanto, y ahora (cinco años atrás no era de la misma opinión) lejos de pensar que la ópera se muere, me alegra ver que van surgiendo intérpretes que, gracias a Dios, no me han dado la razón porque sus interpretaciones son geniales. Y eso para mí, es un gran motivo de alegría.
Y lo que me me entusiasma es ser capaz de encontrar en estas nuevas interpretaciones lo que siempre he defendido y he encontrado en otras ejecuciones, porque así siempre me han dado los cantantes que más admiro: canto unido a la interpretación, capacidad de dominio de las palabras junto con la expresión y veracidad en un escenario.
En una etapa operística en que todo, menos las voces, parecen tener más protagonismo (demos las gracias a la tiranía de los directores de escena) es sorprendente encontrar intérpretes que son capaces - tal y como siempre había estado con cantantes de generaciones anteriores- de ponerte "dentro de la ópera" donde todo gira, afortunadamente, en torno a la música.Y eso, hoy en día, sólo se puede conseguir teniendo un gran reparto, pero también a un director de orquesta con cara y ojos que sea capaz de hacer entender a sus cantantes lo que el público espera (o debería esperar) cuando se enfrentan a una ópera como la "Tosca".
Esta "Tosca" tiene todos los elementos para convertirse en uno de los "hits" más importantes, operísticamente hablando, del año 2011.Y como no podía ser de otra manera, como viene sucediendo desde hace unos años, si quieres ver una buena ópera tienes que desplazarte en Londres, al Covent Garden, teatro en el que se representó esta "Tosca" con un triplete - tal vez debería decir cuarteto "muy cotizado actualmente: Gheorghiu-Kaufmann-Terfel, los tres bajo la dirección de Antonio Pappano, que no estropea nada, al contrario.
PAPPANO es una pieza fundamental para conseguir que esta "Tosca" sea del todo bien redonda.Siempre me ha gustado porque capta a la perfección el espíritu pucciniano. Su orquesta crece en volumen cuando debe hacerlo, y decrece y se suaviza cuando así le reclama Puccini.Puccini encuentra en la batuta de Pappano lo que él hubiera querido, un aliado perfecto.Su tratamiento del "tempo" es absolutamente genial, sobre todo en el interrogatorio al que Scarpia somete a Cavaradossi. Aquel cambio de "tempo" como si ambos estuvieran hablando más con tono de sorna que de seriedad es absolutamente extraordinario y Pappano siempre acompaña al intérprete, deja que éste sea el protagonista y hace gala expresa de que el protagonista es el cantante y no él.
Sólo si tuviera que poner un "pero" en esta función sería la escenografía del tercer acto (de Jonathan Kent) que es bastante austera y con una gran carencia de elementos corpóreos que nos indiquen que están en la cárcel del Castel Sant'Angelo . Pero es el único "pero", ya que en los demás actos la puesta en escena es correcta.Por un lado, para mí, el mejor decorado correspondería al segundo acto, donde encuentro - más o menos, la idea de una "Tosca" más convecional - y, por otro lado, en el primer acto, sin ser una iglesia tradicional , nos sitúa dentro de un recinto que quiere parecerse.
No era la primera vez que escuchaba la "Tosca" a los tres intérpretes principales, pero nunca los había escuchado juntos en una misma función, donde los tres salieron victoriosos y con un montón de aplausos individuales.
Es una de esas representaciones donde todo funciona, y además los tres están creíbles en sus respectivos personajes: dos amantes jóvenes y guapos, y un Scarpia ávido de lujuria, sucio, y que no pierde la compostura hasta casi en medio del segundo acto cuando empieza a manosear a Tosca.Y además, la química entre los intérpretes es más que notoria: sea Gheorghiu-Kaufmann, o Gheorghiu-Terfel o Kaufmann-Terfel. Y eso todavía ayuda más a hacer veraz la historia y redondear una mejor interpretación escénica.
Fantàsica - a mi gusto- ANGELA GHEORGHIU una de las voces de soprano que más amo: por color de voz y por su timbre inconfundible y por su manera de expresar.La "Tosca" de Angela con Kaufmann, es distinta de la "Tosca" que hizo con el Roberto Alagna.Mientras que en la segunda tiene momentos de histerismo, en esta última del Covent Garden creo que ha rodado muy bien su personaje, que está a caballo entre una Tosca más noble e incluso más juvenil que en la grabación de EMI.Su línea de canto me enamora y su credibilidad escénica es realmente sensacional. Ella dice que "Tosca" le encanta porque se interpreta a sí misma: tal vez si, y ella lo debe saber mejor que nadie.
Gracias a Dios, no cae en el error - como muchas han hecho-de mostrar una celosía enfermiza.Sí, su Tosca es "mucha Tosca", pero un poco más serena interpretativamente hablando y sólo hay que ver la escena en que Scarpia escribe el salvoconducto: ella coge el lazo rojo del que Scarpia se ha apoderado en el primer acto, y en medio de una inmensa serenidad, ve el cuchillo, y en ese momento decide matarlo.Sin ruido, sin gritos, sin exageración ... Es la culminación de una escena de tensión que la libera, que cree que la hace más fuerte de lo que se piensa ser, pero en el fondo, sigue siendo una ingenua.
La Tosca de la Gheorghiu juega con el Cavaradossi con gestos, con miradas muy cómplices. Es en el fondo una niña que no ha madurado e insegura de sí misma (sino no tendría tantos celos). Por eso al ver que Mario le sigue la corriente, la hace feliz, e intenta hacerle ver que es más fuerte que él -porque en el fondo cree que es así-, y que la que lleva el peso de la relación es ella, cuando en realidad es Cavaradossi , que siempre deja hacer.
Qué decir de su "Vissi de arte", para mí excepcional como excepcional son las frases que nos regala en el dúo del primer acto. Es un gran personaje y ella lo sabe y lo explota.
Era la cuarta versión que sentía de Cavaradossi en la voz del JONAS KAUFMANN. Para ser sincera las primeras que se lo escuché no me gustaron nada (Metropolitan y Munich), pero fue gracias al DVD con Emilie Maggie que me empezó a convencer su Mario.Su interpretación me gusta aunque siempre he dicho que le falta por este personaje (y para los personajes italianos, en general) el punto de dulzura de mi Mario por excelencia, claro está que este tenor es el Plácido Domingo.
Jonas dibuja otro tipo de personaje sin caer en el tópico de imitar a otros grandes Marios del pasado. Su imagen de galán joven es idónea en el primer acto cuando sigue el juego a la Tosca.Pero él no deja de ser un hombre comprometido que sabe esconder perfectamente - delante de ella - todo tipo de preocupaciones, evidentemente en el primer acto cuando esconde a Angelotti, pero también especialmente en el último cuando, mientras la Tosca le explica que ya ha cogido oro y joyas, y que tienen un carruaje a punto para huir de Roma.
En este momento vemos al verdadero Cavaradossi, que queda encantado mirándola con media sonrisa en los labios y moviendo la cabeza sutilmente en un movimiento de clara negación: sabe que para él no habrá un mañana, pero no le rompe la ilusión. alusión a la Tosca para no alterarla y deja hacer una vez más.La desesperación final, cuando esposado de nuevo se acerca efusivamente la Tosca buscando el último beso delata por primera vez, enverso Tosca, su miedo, en una acción que ella no acaba de entender. ¿Por qué esa desesperación si el fusilamiento es de broma?
Jonas nos regala momentos muy buenos en esta grabación, pero uno de los mejores es en el tercer acto cuando canta "Liberi". No sabría definir muy bien este momento con palabras (es un "Liberi" de resignación, de incredulidad) y tampoco soy capaz de reproducirlo - cantándolo yo- dado que tengo el oido entrenadao a otro modo de decir este "Liberi", pero son estos pequeños detalles lo que hace grandes a estos intérpretes y que nos enriquecen como oyentes.
Vocalmentmente hablando, me esperaba más en su "Vitoria, Vitoria", quizás un poco más de brillo en la voz, en cambio, haciendo balance de todos los "E lucevan le stelle" que le he oído, probablemente el del Covent Garden haya sido el mejor.Frases alargadas, fiato más que suficiente y con una clara diferenciación entre las dos estrofas del aria: primero rememorando sus encuentros con la Tosca, sus abrazos y sus besos, y por otro lado la desesperación del hombre que ve desmoronarse a todo lo que le rodea y hace un último intento por aferrarse a la vida, que nunca ha amado tanto hasta que es consciente de que la ha perdido.Sí, la ha perdido ya desde el primer acto cuando esconde a Angelotti y también desde el momento en que ha entrado detenido, en el segundo acto, por los esbirros del Scarpia.
Al igual que decía cuando hablaba de la Angela, Jonas es también un intérprete creíble y que hace veraz la acción, además está en plena forma física: sube y baja las escaleras como un látigo y encima corriendo, y cantando por si fuera poco.Y otra vez destacar la inmensa complicidad que hay entre ellos dos, que es de agradecer.
Sobre el tema que siempre sale cuando se habla de las interpretaciones de Jonas: que si engola, que si no engola ... con esto no me pongo ya que en este tema no puedo discutir, pues desconozco la técnica el canto. Lo que sí puedo decir es que a mí me encanta estos cambios de color que hace su voz y que para mí lo hace un artista especial.
Lo que gana en esta grabación, respecto al audio que ya escuché en su momento, es sin duda el Scarpia del BRYN TERFEL.Terfel no tiene la voz tan bonita como el Ruggero Raimondi, o no le encuentro la nobleza de un un Cornel MacNeil, pero propone un gran Scarpia.
Terrorífico, asquerosamente desagradable, lujorioso y malvado. Es un buitre a la caza de su presa, y además, su figura - gigantesca- le proporciona toda la credibilidad a su personaje.Y sí, tal vez me convence más como actor que vocalmente hablando.
Recuerdo que cuando la escuché no me terminó de convencer su voz, para mí le faltaba más rotundidad y quizás más volumen. Su voz me llegaba a través de la radio más velada y chocaba de lleno con mis Scarpia de referencia. Sin embargo, en visión me ha encantado y de hecho, cuando está él en escena, acapara toda la atención.Y no es para menos, Scarpia sin duda es un papel bombón por el barítono, y uno de los malvados más queridos por el público.
Lo que me hace más feliz de esta "Tosca" es el hecho de que he encontrado un fuego nuevo y que ha conseguido entusiasmarme de nuevo sin tener que recurrir a las "viejas glorias", ya que de las últimas Toscas vistas y escuchadas mejor ni hablar.

De hecho, una grabación altísimamente recomendable, vocal y escénicamente que tuve la gran suerte de poder disfrutar gracias a la generosidad del autor del Blog "In Fernerm Land", al que le estoy enormemente agradecida.

Plácido despide el año en Nueva York participando en "La isla encantada"

2011-12-30T09:14:00.000-08:00

Mañana, día 31 de diciembre, mientra medio mundo ya habrá recibido el año nuevo, Plácido Domingo estrenará una nueva ópera en el Metropolitan de Nueva York: "The Enchanted Island" interpretando el papel de Neptuno.

En un nuevo trabajo en el cual los amantes de la ópera barroca lo tienen todo: los mejores cantantes del mundo, la música gloriosa de los maestros del barroco, y una historia procedente de Shakespeare.

En la Isla del Encantada, los amantes de Shakespeare en "El Sueño de una noche de verano" son náufragos en otro mundo, la isla de La tempestad . Inspirado por los pastiches musicales y máscaras del siglo 18, la obra presenta arias de Haendel, Vivaldi, Rameau, y otros, y un libreto nuevo de Sams Jeremy.

Edirector de orquesta William Christie dirige un elenco de estrellas con David Daniels (Próspero) y Joyce DiDonato (Sycorax) como enemigos formidables, Plácido Domingo como Neptuno, Danielle de Niese como Ariel y Calibán como Luca Pisaroni. Lisette Oropesa y Anthony Roth Costanzo jugar Miranda y Fernando. La impactante producción está dirigida y diseñada por Phelim McDermott y Julian Crouch.

Es tiempo de vivir en paz, es tiempo de brindar...

2011-12-24T05:54:00.000-08:00

Carta Nevada esta Navidad... es lo que sigue a este título, tal y como en 1984 lo cantó Plácido Domingo junto a Ana Obregón.

Con ellos va mi felicitación para todos para estas fiestas tan entrañables.

Feliz Navidad a todos.

La nit de nadal és nit d´alegria

2011-12-23T08:19:00.000-08:00

O lo que es su equivalente en castellano: "La noche de navidad es noche de alegría..."

Esta es una de las frases con las que empieza una típica obra de teatro que se representa, como cada año, durante las fiestas de navidad y que es de arraigada tradición en Cataluña.

Me estoy refiriendo claro está a "Els Pastorets" de Josep Mª Folch i Torres.

El equivalente a la Nochebuena es en Catalunya "la nit de nadal" la cual y no se celebra, a diferencia del resto de España. Almenos no de la misma manera, ya que es más importante la festividad del día 26, "Sant Esteve", festivo en toda Cataluña.

Tenemos la navida a la vuelta de la esquina y mañana es Nochebuena.

El olor de la navidad se respira por las calles y las noches del recién estrenado invierno huelen de forma especial: hay algo en su aire de delatan estas fiestas.

Algunas de las óperas más queridas por el público hablan en algún momento de la navidad, como en "La bohème": Rodolfo y Mimì, junto con los amigos de éste van a celebrar "la vigilia di natale" al Cafè Momus. El aire de las calles parisinas en el Barrio Latino huele a buñuelos.

Pero también en "Werther" todo respira a navidad: los villancicos que los hermanos perqueños de Charlotte entonan ya, en el mes de julio, hasta la fatídica nochebuena en que Werther decide suicidarse.

La música del cambio de acto sugiere el viento gélido de la noche y la nieve que cubre las calles. Werther agoniza mientras los niños entonan de nuevo su villancico. Las últimas palabras que pronuncia el personaje en este momento son estremecedoras:

WERTHER

Là-bas au fond du cimetière,
il est deux grands tilleuls! c'est là que pour
toujours je voudrais reposer!
Si cela
m'était refusé... si la terre
chrétienne est interdite au corps
d'un malheureux,
près du chemin
ou dans le vallon solitaire
allez placer ma tombe!
En détournant les yeux
le prêtre passera...
Mais, à la dérobée,
quelque femme viendra visiter le banni...
et d'une douce larme, en son ombre tombée
le mort, le pauvre mort... se sentira béni...

WERTHER

¡Ahí abajo, en medio del cementerio,
hay dos tilos! ¡Ahí es donde quiero
descansar para siempre!
Si ahí se me rechazara...
si la tierra cristiana
se prohibiese al cuerpo
de un desgraciado,
al lado del camino,
o en el valle solitario,
emplaza mi tumba...
y volviendo los ojos
el sacerdote pasará ...
Si por casualidad una mujer
viniese a visitar la tumba,
el pobre muerto se sentirá bendecido
por alguna lágrima caída a su sombra.

Para mí es muy especial precisamente este momento de la obra, pero aunque sea uno de los momentos más tristes de la misma me gusta recordarlo cada año.

Con este ya van 16 años

2011-12-11T22:46:00.000-08:00

Exactamente hoy hace 16 años que escuché por primera vez, en directo, a Plácido Domingo. Una fecha que recuerdo todos los años, sin excepción.

Y una de las piezas que le escuhé fue "Bella enamorada" de la zarzuela "El último romántico" de Soutullo y Vert:

Pero también descubrí en este concierto la ópera "Faust"... y como en esta semana hemos estado bastante "enfaustados" debido a las representaciones que se ofrecen estos días en el Metropolitan Opera, escuchemos a Plácido Domingo en el fantástico dueto de amor del tercer acto:

Jonas Kaufmann vende su alma al diablo en Nueva York

2011-12-07T10:26:00.000-08:00

Sin duda es uno de los acontecimientos operísticos más importantes de este final de año 2011: el "Faust" que el tenor alemán Jonas Kaufmann interpreta en el Metropolitan de Nueva York.

Los más afortunados, ya lo han podido disfrutar en directo. Otros, están a la espera de la retransmisión en los cines de este sábado día 10.

Los más impacientes, ya la hemos escuchado soñando cómo debe ser la producción y disfrutanto de la voz de Jonas, porque hasta que no salga en DVD tendremos que conformarnos con los fragmentos que ya circulan en youtube.

Viéndolos, aún me dan más ganas de ver este "Faust"...

Jonas Kaufmann aborda, junto a un excelente René Pape y la soprano Marina Poplavskaya (tenía que ser Angela Gheorghiu) el papel de Doctor Faust, una obra que, aparentemente por timbre de voz se aleja de la idea que todos tenemos del Faust.

Su voz oscura (que le va que no pintada para el viejo Faust) se aclara cuando el personaje se transforma, y los detalles de fraseo son notorios a lo largo de toda la representación: agudos seguros y brillantes que culminan en un final de "Salut demere..." encantador, a plena voz.

Quizás fue en este momento de la obra donde menos me gustó Jonas, pero está sublime en el dueto de amor con Margarita. El tempo, lento. Y Jonas, suave, muy suave casi como si estuviera cantando al oido de Margarita. Una interpretación digna de ser escuchada.

Así es que deseo que los que acudan el sábado en directo al teatro lo pasen tan bien como los que vayan al cine... que los que no podremos disfrutarla ni de una manera ni de otra, nos conformaremos con la retransmisión por la radio.

Plácido solidario

2011-12-04T23:02:00.000-08:00

Efectivamente, Plácido Domingo es uno de los famosos que ha prestado su imagen más solidaria para la Fundación Talita junto a niños y jóvenes con sindrome de Down.
El tenor, junto a persoajes como Eugenia Martínez de Irujo, el futbolista Leo Messi, Carlos Sobera, Noa o el jugador de basquet Juan Carlos Navarro, protagonizan junto a estos niños la cara más tierna de la navidad.

Junto con la revista "Hola", la Fundación Talita distribuirá 500.000 ejemplares de estos calendarios solidarios.

Una vez más, bravo Plácido.

La zarzuela reluce y brilla más que nunca en Sabadell

2011-11-30T12:53:00.000-08:00

Soprano, tenor y barítono de primera calidad.

Zarzuela… de la buena.

Dúos y arias que difícilmente se escuchan a menudo en losconciertos.

Todo ello aliñado por la Orquestra Simfònica del Vallès ycon la guarnición del Cor dels Amics de l´Òpera de Sabadell.

Con este cóctel de ingredientes el resultado de la receta nopodía ser otro que el de “bocatto di cardinale”.

Si se me permite esta jocosa introducción, Sabadell, lossabadellenses y algunos venidos de las cercanías, vivimos el domingo pasado enel Teatro de nuestra ciudad una tarde de aquellas que, sin lugar a dudas,personalmente, voy a tardar en olvidar. Por muchos motivos.

Que profeso un gran amor por la zarzuela, es por todossabido, que intento no perderme ni una, también, pero cuando además está bieninterpretada y se canta a conciencia, no se echan de menos los decorados, elvestuario ni la escena. ¿Para qué, si con las voces me es suficiente?

Por segundo año consecutivo, desde la A.A.O.S se ha tomadola decisión (dura, me imagino) de llevar a cabo “su” particular homenaje a lazarzuela. Ya desde el año 2005 han desfilado títulos como: “Doña Francisquita”,“Luisa Fernanda”, “La cançó d´amor i de guerra”, “La rosa del azafrán”,“Marina” y “Maruxa”.

El año pasado se sustituyó un título completo por unconcierto con cantantes habituales de la casa, y dado el éxito obtenido (y –por que no, también decirlo-) los recortes sufridos en los presupuestos, laFaràndula se vestía ayer de gala con un público ávido de música y con ganas depasar 2 horas y media (qué rápido pasaron) disfrutando de lo mejor de nuestrogénero.

DANIEL MARTÍNEZ GILDE TEJADA que en esta ocasión ejercía de director de orquesta y del coro–del cual es titular- abrió la primera parte con el Preludio de “El tambor deGranaderos” de Ruperto Chapí, del cual debo destacar el buen balance musicalasí como las intervenciones del metal.

Su dirección fue enérgica y al tener la orquesta encima delescenario, el habitual volumen de la Simfònica no se interpuso en la voz de losintérpretes, dándonos la oportunidad de apreciar todas y cada una de las notascantadas sin que estos se vieran ahogados por el sonido.

La primera intervención vocal corrió a cargo del barítono ISMAEL PONS que interpretó la romanzade Vidal Hernando de la “Luisa Fernanda” de Moreno-Torroba “En una dehesa de laExtremadura” junto al coro. Volumen, seguridad y un buen fraseo marcaron suinterpretación, apostando por el final “alto” en lugar del final en el que se mantiene la nota.

Y claro, arrancó los primeros “bravos” de la tarde.

Pero… qué tendrá la voz del tenor que nos fascine tanto… CARLES COSÍAS, salió al escenario parainterpretarnos una pieza que raramente se escucha en concierto y -en ocasionesmuy puntuales- en disco: “Bella niña de ojos negros y carita de azucena…” de lazarzuela del maestro Alonso “Coplas de ronda”.

Como bien dice el título de la obra, coplas de ronda, unahermosa serenata en la cual Carles pudo lucir su bello y dulce timbre. Ademássupo transmitir muy bien –con la cara y también gestualmente- la romanza. Senotaba que la estaba disfrutando al cantarla, la estaba viviendo.

Seguidamente, la madrileña SAIOA HERNÁNDEZ, a la cual tenemos también el privilegio deescuchar frecuentemente en Sabadell, se estrenó con “Tres horas antes del día”,de “La marchenera” de Moreno-Torroba, arropada por una breve introduccióncoral.

Saioa tiene un volumen de voz considerable, y además elfraseo es más que notorio, puesto que se le entiende todas y cada una de laspalabras que está cantando. Agudos recios y bien colocados con un sentidoextraordinario de la musicalidad.

Después del preludio de “La Verbena de la Paloma” y de susarchiconocidas “Seguidillas”, CARLESCOSÍAS se metió en la piel de Rafael Ruiz “El Macareno” y SAIOA HERNÁNDEZ en el de Soleá, toreroy gitana respectivamente, personajes ambos de la obra del maestro Penella “ElGato montés”.

Punto a favor: se empezó el dúo donde particulamente megusta que se empiece, “Vaya una tarde bonita…” para dar paso al resto de lapieza. Y qué genial es ese trozo “Qué graciosa es mi gitana, qué preciosa, québonita…”

Pues lo mismo podríamos decir de la interpretación deCosías. O la de Saioa, con su bello “Sí te quiero”…

Sólo me faltó al inicio ese “Soleá!” antes de que la gitanaempiece con su “Me llamabas Rafaelillo?”.

Oles cómplices entre los dos cantantes, y en el teatroempezaba a subir ya la temperatura.

Inmediatamente después, ISMAELPONS cantó la preciosa romaza de “Ladel soto del Parral” de los maestros Soutullo y Vert, “Ya mis horas felices”,que tan de moda se ha puesto últimamente y no es por menos porque da muchasposibilidades al intérprete de lucirse en una infinidad de registros y“tempos”. Apostó por un “tempo” pausado que considero que es mucho más adecuadopara dicho fragmento.

Particularmente, me hubiera gustado en su “Vivo, dominandomi pena” un poco más de suavidad e intención, rozando un hilo de voz, peroafortunadamente cada intérprete es diferente y todas las interpretacionesválidas. Y los gustos personales es otro mundo.

Puso el punto y final a la primera parte una zarzuelatambién, desgraciadamente, poco representada: “La leyenda del Beso” también delos maestros Soutullo y Vert. Y digo desgraciadamente por la dificultad queencierra esa obra de la cual se popularizó en su momento su “Intermezzo” con laadaptación hecha por el grupo “Mocedades” en su canción “Amor de hombre”.

De nuevo SAIOAHERNÁNDEZ exhibió su registro vocal y dicción. Me gustó especialmente eneste fragmento por la variedad musical que encierra y porque de las notas másaltas pasa a las centrales, haciendo el canto de Amapola, el personaje femeninode la obra, mucho más desgarrador, temperamental, como temperamental es elcarácter de la gitana que interpreta.

Acompañada en todo momento por el coro, el resultado nopodía ser mejor. Aplausos y bravos para la soprano madrileña.

Después de 30 minutos de descanso, el maestro GIL DE TEJADA, batuta en mano y puro enla boca, interpretó con el acompañamiento del coro una de las dos únicas piezasde la tarde que no había escuchado nunca: “Si es en el hombre un vicio el defumar…” de “Los sobrinos del Capitán Grant” de Fernández Caballero.

Siguió otro de los momentos más especiales de la tarde: eldueto de Auroa y Germán de “La del soto del Parral”, también fragmentos deaquellos que cuesta que canten en concierto. Este dueto encierra una dificultadtremenda, sobre todo, a mi modesto entender, para la soprano pero lo cierto esque SAIOA HERNÁNDEZ lo interpretó demanera soberbia: qué seguridad, qué voz no cayendo en la trampa de presentaruna Aurora frágil sino un personaje revestido de seguridad pero que encierraesa debilidad por dentro. Pero no lo exterioriza.

Por su lado ISMAELPONS puso voz a Germán, al hombre torturado por una promesa hecha a sumejor amigo y que por guardar el secreto que la misma encierra, casi le cuestael matrimonio con su esposa.

“De zagal mí sueño fuiste”… sonó especialmente bien, y he dedecir que de las veces que le he escuchado ha sido el día que más me hagustado.

Sin embargo, su “Ay Aurora yo te quiero”, a mi gusto, lefaltó un poco más de impetuosidad y de convicción, pero eso, ya son gustospersonales.

La primera tanda dedicada a la “Doña Francisquita” de Vivesvino de la voz de CARLES COSÍAS conuna excelente ejecución de la romanza de Fernando Soler. Cambio de tono en sus“Por una puerta del alma va saliendo la imagen muerta”… “Por otra puerta llama,la imagen qué podría curarme el alma…” quizás para mí junto con “Se me entrapor los ojos y a veces sueño que yo la adoro…. Cariño de mí alma recién nacido,la llama extingue ah…” el momento más bello de la romanza, sin olvidar esa“vana ilusión…”

Creo que Carles siente especial devoción por esta romanza,la más bella de toda esta magna zarzuela.

Algo que me gusta destacar de este cantante es que además detener un timbre bello el fraseo y su dicción son dos armas poderosísimas queposee y abogo por que desde teatros con más renombre se fijen en él (me constaque ya hay de esos), pero se merece una gran oportunidad en un gran teatro. Ypuestos a pedir, que sea en Barcelona.

La lástima es, egoístamente hablando, es que cuando estoocurra, vendrá con menos frecuencia a Sabadell, y los perjudicados seremosnosotros, los sabadellenses.

El coro de los Románticos de la misma zarzuela dio paso, sinmovernos de Madrid a la preciosa zarzuela del maestro Serrano “Los Claveles”, dela cual SAIOA HERNÁNDEZ interpretóla romanza de Rosa, “Qué te importa que no venga”, que dicho sea de paso,escuché en “stereo”, puesto que las señoras que tenía al lado no dejaron decorear ni aún apercibiéndolas de que hicieran el favor de bajar la voz ocallar.

No optó por el final agudo, terminó en reposo, y en estaspiezas de temperamento es donde encontré a Saioa más cómoda.

Seguidamente sonó la romanza de la zarzuela “Maravilla” delmaestro Torroba. Su intérprete fue ISMAELPONS y para ser sincera, fue en la interpretación que me gustó menos la quemás se alejaba de su estilo, y quizás también por estar acostumbrada aescucharla en tonalidad de tenor.

Tras “Maravilla”, de nuevo el teatro se desbordó en aplausoscuando CARLES COSÍAS entonó el bellísmo“Pirineu, tes blanques comes” de la zarzuela de Martínez Valls “La cançó d´amori de guerra”, obra que ya interpretó el mismo Carles, íntegramente, en el año2007.

Tocó la fibra del público al ser una romanza cantada encatalán de una zarzuela que es muy querida en Cataluña. Su interpretación fuemuy diferente de la que escuché en ese ya lejano 2007: no apostó por terminar con el agudo de rigor(y me pareció buena decisión) ya que no es necesario exhibir agudos para que elpúblico aplauda cuando hay muchas cosas que se pueden destacar en lainterpretación de un cantante, como el saber frasear, el saber interpretardando sentido a cada una de las palabras, acentos y matices que encierran ariasy romanzas que duran normalmente, menos de 3 minutos y medio.

A pesar de ello por su línea “Pirineu dolça serra, totaplena de neu”, pensé que de la manera en como lo atacó iba a acabar en “forte” pero afortunadamente me equivoqué.

Y dejamos el Pirineu para irnos a Zamora con “El cantar delArriero” de Díez Giles, que en los años 90 interpretaron de forma integral elsCors de Sarsuela de Sabadell al mando de Mª Teresa Boix.

El fragmento escogido fue el concertante final del primeracto “De la ruta de Zamora”, que repasa todas las melodías ya escuchadas en eltranscurso del primer acto: “Cómo quieres que el arriero al llegar, vuelva a grupascuando a tu puerta llamó, no le niegues ese calor de hogar, que tanto soñó alandar por estos caminos de Dios...” o el célebre “La moza de Sanabria, es mozafiel en amores...”

Ya se sabe que en las zarzuelas el papel protagonista seotorga al barítono, y el tenor, en la mayoría de ellas queda relevado a unsegundo plano.

No así ocurre con obras como “Doña Francisquita”, “LuisaFernanda”, o “Bohemios”, y encontraríamos más, pero lo cierto es que en este “Cantardel Arriero” el tenor tiene poco a decir a parte de un dueto con Mariblanca enel segundo acto.

SAIOA (Mariblanca),COSÍAS (Anselmo) e ISMAEL PONS (Lorenzo)junto con el coro, concluyeron, “oficialmente” el programa.

Un concertante importante y difícil (por eso se canta y serepresenta poco esta fantástica zarzuela) que arrancó grandes bravos delpúblico que llenaba la Farándula.

Pero claro, el público quería más, no era suficiente y noteníamos ganas de marchar, así es que, cada uno de ellos nos regaló una piezaen el capítulo de las propinas.

La primera intervención fue a cargo de CARLES COSÍAS que interpretó la célebre romanza de Leandro de “Latabernera del puerto” del maestro Sorozábal: “No puede ser”, que – como elpropio tenor apostilló – nunca puede faltar en un concierto de zarzuela. Enesta ocasión no la escuché en “stereo” al cien por cien, pero si que desde lafila de detrás iban apuntándole la letra a Cosías, que de sobras, todosconocemos.

Seguidamente SAIOAHERNÁNDEZ interpretó el conocido “zapateao” de “La Tempranica”, tanpopularizada por la gran Montserrat Caballé: “La tarántula é un bicho muy malo”.

Y finalmente, una de las piezas más preciosas escritas parabarítono en el mundo de la zarzuela: la canción del platero de “La Parranda” deAlonso. Al oir cuando lo anunciaba el propio ISMAEL PONS no pude contener un sonoro “ostres ja era hora...!” quedebió escucharse en las filas más próximas.

De nuevo tuve que escucharlo en efecto “stereo”...

Yo también me la sé y no la tarareé... qué poco respecto alos artistas y al público.

La otra pieza del programa que no conocía fue, precisamentela misma con la que se concluyó definitivamente el concierto, un concertantebreve que puso punto y final a 2 horas y media de buenos intérpretes y música.

Eché en falta en el programa autores como JacintoGuerreo, Pablo Luna, Usandizaga o Guridi, y obras tan preciosas como “La rosadel azafrán”, o “Bohemios” o “La del manojo de rosas”... bueno supongo que seráen otra ocasión.

Dice el refrán que “nunca segundas partes fueron buenas”...mí opinión es muy distinta puesto que comparandólo con el concierto de latemporada pasada, por intérpretes y por calidad vocal, pero también porrepertorio, fue evidentemente superior.

Simplemente mejor interpretado.

Tardes de aquellas que sales satisfecha del teatro haypocas, pero el domingo fue una de ellas. Y para aquellos que se lo perdieron, el próximo día 11 de diciembre se volverá a ofrecer el concierto en el Auditori de Sant Cugat.

La próxima cita con els A.A.O.S será con la dificilísima “Aida”en el mes de febrero.

Caracalla: la joya de la corona

2011-11-20T03:49:00.000-08:00

No.

No es el aniversario del concierto de los Tres Tenores en Caracalla o de alguno de sus tres intérpretes, pero sí que quiero hoy recordarlo precisamente porque ayer me emocioné nuevamente con él.

Muchos de los que somos amantes de la ópera, lo somos gracias a este concierto: ellos marcaron un antes y un después en el mundo de la lírica y revolucionaron la ópera en todos los sentidos.

Cuántos de nosotros, los de la "generación de los Tres Tenores" no hemos disfrutado con el magnífico e insuperable "Cielito lindo" de Plácido Domingo o su "Dein ist mein ganzes Herz"; o con el "Nessun dorma" de Pavarotti, o con el "Core´ngrato" de Carreras...

Piezas que en el año 1990 eran totalmente desconocidas para mí, y que hoy, y a lo largo del tiempo, se han convertido en melodías, sin las cuales, creo, no sabría vivir.

Este magno acontecimiento marcó la vida de muchos de nosotros. Ellos me enseñaron el maravilloso mundo de la ópera y por siempre más les estaré agradecida.

Pero han pasado los años.

21 años en concreto se cumplieron este pasado 7 de julio y el concierto sigue tan fresco y actual como entonces.

Por veces que lo haya escuchado, por veces que lo haya visto... siempre despliega una mágia única: aquellas tres magníficas voces unidas bajo el cielo de Roma hacen que, a pesar de los años, siga emocionándome como la primera vez que lo escuché en una cinta de cassete.

El concierto de Caracalla continúa siendo la "joya de la corona". Un espectáculo único e insuperable que perdurará a lo largo de la historia y por los siglos. Jamás antes se había tratado la ópera de aquella manera.

Grácias por hacerlo. Grácias por descubrirme la ópera.

Los primeros 40 años de Plácido Domingo en el Covent Garden

2011-11-11T08:44:00.000-08:00

Covent Garden.

La cita era la semana pasada cuando se celebró los 40 años de debut del gran Plácido Domingo en la R.O.H.

Aunque como siempre digo, a pesar de no poder estar allí físicamente, en la distancia mi pensamiento estaba en la capital británica, arropando como una más del público, la celebración organizada en honor de nuestro tenor.

Afortunadamente, nos queda el audio del acontecimiento.

Plácido Domingo. Qué decir de él a estas alturas de su carrera que no se haya dicho ya... El omnipresente, el incombustible Plácido Domingo volvió a demostrar porque a pesar de sus casi 71 años, sigue siendo el mejor: su entrega, su apasionamiento, sus ganas, su ilusión hacen que cada vez que los escuchas te emociones si cabe aún más.

Fue Rigoletto, fue Simon y Otello. Dos partes de barítono muy exigentes, y una de tenor, no menos fácil que las anteriores. Y sí, nunca deja de sorprenderme, porque, a pesar de que han pasado los años y el pelo negro del moro de Venecia se ha plateado con el tiempo, su aplomo, su expresión y sentimiento continúan estando presentes en el guerrero creado por Shakespeare y musicado por Verdi.

Con Rigoletto y Simon apareció el padre. Ha cambiado el papel de galán enamorado por el del hombre protector. Ya no es el amante apasionado, el "bueno" de la ópera, aquel por el cual la soprano y la mezzo se disputan su amor. No, ahora es el padre que volca toda su experiencia en la hija, Gilda y Amelia, respectivamente.

Aparece el sentimiento protector versus la pasión. Y está, física y mentalmente en su papel. Y de qué manera...

70 años y Plácido suma y sigue.

De los tres actos que cantó, empezaré con "Otello", papel talismán en la carrera de Plácido y que ha llevado por todos los teatros del mundo.

Su fuerza continua estando allí. El alma de Otello sigue presente en su interpretación: sólo hace falta escuchar su primera nota de entrada, ese "Si" que le lanza a la cara de Desdémona.
Sí, por un momento pensé estar escuchando al Otello de años ha, pero lo cierto y para ser justos, el acto de Otello fue donde el milagroso Plácido mostró más dificultad. La exigencia del personaje es grandiosa y es una de aquellas situaciones en que la sabiduría pasa por encima de la fuerza, porque Plácido dibujó un Otello maduro pero lleno de expresión y sentimiento. La expresión por encima de la vocalidad, resultando indudablemente creíble.

Donde me dejó sobrecogida fue en su tercer acto de "Rigoletto" sobretodo en lo que respecta a la escena final con Gilda. que fue simplemente sobrecogedora.

No sé si algún día se planteará llevar al bufón al teatro y representar la obra enteramente, pero de hacerlo, sería uno de los más grandes acontecimientos en el mundo de la ópera.
En su interpretación encontramos la ternura, en su escena final, pero también el desprecio al Duca, claramente marcado en su expresiva voz.
Poder gozar aún de esto es algo que no tiene precio.

Qué decir de su Simon...magnífico y como siempre la expresividad al servicio de la música, en un ròle de barítono que, a mí entender, le va como anillo al dedo. Nunca había escuchado un Simon tan cercano, tan humano y tan desesperado.
Es verdaderamente una pena no poder contar con las imagenes enteras de este magno acontecimiento. Supongo que todo se andará, con el tiempo.

Plácido Domingo volvió a demostrar a todo el mundo el por qué a sus 70 años continúa llevando la corona de rey en el mundo de la ópera.

Grácias, Maestro. Nunca le estaremos lo suficientemente agradecidos por hacernos partícipes de su voz.

Pero "sigue" siendo el Rey...

2011-11-06T08:23:00.000-08:00

Extraña mezcla de sensaciones la que que estoy viviendo esta semana.

Plácido Domingo, el gran Plácido Domingo, la voz que hace que disfrute cada día más y más de la ópera, la voz con la que me inicié en este mundo y que más ha hecho emocionarme, celebró la semana pasada sus 40 años de debut en el Covent Garden.

Corría el año 1971... ni siquiera había nacido cuando el afortunado público inglés pudo gozar de su Cavaradossi.

No pude asistir a esta celebración, como tampoco pude hacerlo cuando cumplió, este pasado 21 de enero, 70 años. A pesar de ello, mentalmente estaba en Covent Garden.
Sí, 70 y nuestro tenor más universal sigue en el pie del cañón dando guerra a los jóvenes que empiezan, y aquellos que ya están o se están consolidando en estos momentos.

Recuerdo, cuando este pasado mes de mayo pisé por primera vez en mí vida el coliseo londinense. Fue inevitable pensar en la historia de este teatro y en todas aquellas óperas que Plácido había cantado allí, y que, curiosamente entre las cuales, están muchas de mís versiones preferidas.

Este teatro que alimentaba de pequeña mí aún escasa colección... aquel teatro con el cual un día soñaba en ver un representación a Plácido Domingo... no sé si estaré aún a tiempo de verle en Covent Garden... en fin, ese teatro en el que nunca pude imaginar al que asistiría, produjo en mí un sinfin de sensaciones que culminaron en llanto.

No podía contener las lágrimas al ver aquella imponente sala.

Ahora lo recuerdo y pienso qué afortunada he sido de poder estar allí y sentir todo ese océano de sentimientos, de alegría, de sorpresa, de crecimiento...

Decía que muchas de mís versiones de referencia han sido cantadas en Covent Garden y por Plácido Domingo, por esto quiero hacer una especie de viaje en el tiempo y recordarlas, ya que ellas me han acompañado durante todos estos años.

La primera ópera que vi retransmitida desde este teatro fue, aún hoy - y para mí- la insuperable "Manon Lescaut" que Domingo protagonizó junto a la neocelandesa Kiri Te Kanawa. No se puede cantar mejor este fragmento:

100% verismo, 100% pura emoción. Domingo en estado puro.

"Los cuentos de Hoffmann", considerada en su momento como una de las mejores filmaciones de ópera realizadas, me descubrió esta magnífica ópera y ese interesante personaje que da título a la obra. Un poeta acabado, hundido en la miseria que es capaz de enamorarse de una muñeca y de una cortesana. Pero, cuando encuentra el amor más puro y correspondido, ella muere.
Una ópera que para un cantante es un verdadero "tour de force" al alcance de muy pocos privilegiados.

Este dueto, correspondiente al acto de "Giulietta", la cortesana veneciana es realmente electrizante en las voces de estos dos grandes intérpretes.

Genial también esta entrada:

"Andrea Chénier" también llegó desde Londres con un extraordinario momento vocal del tenor. Junto a él, la Maddalena de Ana Tomowa Sintow y el Carlo Gerard de Giorgio Zancanaro. Descubrí con ella que esta ópera es mucho más que el famoso "Improvviso".
Dificil de por sí, la inmortal obra del maestro Giordano me abrió las puertas a la Revolución francesa y a todo un mundo de matices que sólo los compositores veristas son capaces de hacerte descubrir.

Pero, sin lugar a dudas, la ópera que más me ha entusiasmado de este teatro ha sido y es sin lugar a dudas el "Otello" con Te Kanawa y Leiferkus bajo la batuta del maestro Sir Georg Solti.
Esta representación fue especial para mí: mí primer "Otello", la ópera que siempre deseé escuchar en la voz de mi admirado Domingo cuando aún era una principiante en el mundo de la ópera.
Para mí esta versión es, como tantas otras del maestro, insuperable, única, realmente extrordinaria e irrepetible. Domingo en el papel del moro de Venecia. No pude disfrutarla más:

Y sí, Plácido Domingo sigue siendo el rey de la ópera. Para comprobarlo sólo basta escuchar como suena la voz, a sus 70 años en el tramo final del "Otello" que ofreció hace escasamente una semana en Covent Garden:

http://es.euronews.net/2011/11/02/los-cuarenta-anos-de-placido-domingo-en-el-covent-garden/

Grácias Maestro por hacernos disfrutar tanto.

“È il sapore?” … “Eccellente”: Elisir d´amore en Sabadell

2011-10-24T09:15:00.000-07:00

El A.A.O.S. arrancaron elpasado miércoles 19 con fuerza en el año que se cumplen 30 años de sunacimiento.

La ópera escogida parainiciar esta especial temporada fue la divertida “Elisire d´amore” de GaetanoDonizetti, con unas músicas alegres y joviales que invitan a tener durante casitoda la obra una sonrisa en los labios.

La de ayer por la tarde erala tercera de las funciones que se ofrecieron en Sabadell antes que la compañíainicie su periplo por diversas localidades catalanas. Para la ocasión seencomendó la dirección de escena al tándem habitual de la casa: CARLES ORTIZ y JORDI GALOBART, que ambientaron la función en un pueblo marinero.

Todo en este “Elisir”rezumaba a “Marina”, la ópera de Arrieta que se ofreció hará ya trestemporadas: vestuario, turbanes, fondo de decorado, las bombillas que amenizanla fiesta de compromiso entre Adina y Belcore… todo, absolutamente todo erareciclaje. Incluso el vestido que luce Adina en el segundo fue rescatado de la“Maruxa” que la propia Elisa Vélez lució en aquella ocasión.

En una época en la que yaestamos acostumbrados a estos cambios de épocas, de decorados e incluso definales operísticos, debo decir que esta adaptación no molestó en absoluto: ademáspor propia entidad, la acción del “Elisire” hace de ella una óperacompletamente atemporal, cuyas miles de lecturas de la obra la pueden hacercreíble.

Como siempre, extraordinarioel juego de luces de NANI VALLS asícomo los recursos escénicos a los que se recurren, como la entrada de Nemorinoen el primer acto “Quanto è bella, quanto è cara”, en la que sólo cobra acciónel propio protagonista mientras que el resto de figurantes en el escenariopermanecen inmóviles.

Fue ayer una de las tardes enla que escuché uno de los mejores balances orquestales. La OSV comandada por su titular, RUBÉNGIMENO, sacó todo lo mejor de sí misma, respirando al mismo son que losintérpretes principales y que el coro, también bien calibrado bajo las riendasde su también titular DANIEL MARTÍNEZGIL DE TEJADA.

Por lo que hace referencia ala parte vocal, no destacó precisamente por su línea canora la Adina de lasoprano canaria ELISA VÉLEZ. Empezócon poco volumen para ir, poco a poco, sacando material que en ocasiones puntualessonaba un poco estridente. Suficiente en las coloraturas y bien artísticamente,su Adina fue, sin embargo, aplaudida no fervorosamente, pero si con algún queotro bravo.

ALBERT CASALSse puso en la piel del simpático Nemorino. Me pareció que empezaba “Quanto èbella, quanto è cara” con algún que otro problema en la respiración(daba lasensación de falta de aire), pero fue sin duda una mera anécdota en suinterpretación ya que, la línea de canto y la dicción es buena.
Sinceramente, esta ha sido lavez que me ha gustado más. Agudos limpios y potentes, su “Furtiva lagrima” fueuno de los momentos de la tarde.
Con esta perspectiva su“Romeo” que clausurará la temporada en Sabadell, puede ser uno de losacontecimientos de la temporada.

El otro personaje masculinoen discordia es el petulante y creído sargento Belcore (aquí sargento de lamarina) que fue interpretado por el barítono CARLES DAZA, un papel que le va como anillo al dedo. Fue sin dudauno de los más aplaudidos a pesar que el arco del personaje no es excesivamentelargo. Destacar las limpias coloraturas y su impecable dicción, aunque la zonamás baja de su tesitura no sigue siendo uno de sus puntos fuertes, como sí loson sus notas centrales y medio-altas.

Pero sin duda, toda obratiene un gran triunfador, y este fue sin lugar a dudas el Dulcamara de TONI MARSOL, y en todos los sentidos:vocal, dotado de una voz bien timbrada, y artísticamente, ya que compuso a unfresco “dottore”, con un toque de modernidad respecto a sus antecesores endicho papel. Al igual que Daza, su canto “silabatto” fue impecable y suinterpretación muy aplaudida llevándose, por parte del respetable sabadellense,un aluvión de bravos.
Lo había escuchado hace yaunos años en la “Cenerentola”, también en Sabadell y no recordaba la belleza desu voz. Sin duda será una de las voces a seguir.

Mención para la Gianetta de EUGÈNIA MONTENEGRO, con un volumen devoz más que considerable. Una voz que va creciendo y formándose día a día, y dela cual ya se están viendo los resultados, porque es una de las apuestas delsA.A.O.S.

En conclusión una buena tardede música en Sabadell, con presupuesto recortado, aunque los A.A.O.S cuentancon la inteligencia, ganas y saber hacer de un profesional que se llama CarlesOrtiz que lo da todo y hace de todo para, con cuatro cuartos, tirar adelanteunas producciones de envergadura considerable

Felicidades, Plácidos!

2011-10-04T22:52:00.000-07:00

Hoy 5 de octubre el calendario marca como santo del día a San Plácido.

Pues lo dicho, muchas felicidades Maestro.

Pero también para su hijo Plácido Jr. Así es que, muchas felicidades a ambos Plácidos!

Kaufmann se recupera satisfactoriamente

2011-09-20T09:36:00.000-07:00

Una notícia fantástica!

Después de un día de intenso trabajo, llego a casa y me encuentro con la excelente notícia de que la operación a la que se sometió el tenor alemán Jonas Kaufmann se ha llevado a cabo con ésxito, tal y como él mismo especifica en su propia web, y que el proceso de recuperación marcha sobre lo previsto y mantiene la agenda prevista.

Nos alegramos muchisimo por el tenor. Enhorabuena.

Recordando a Don Alfredo...

2011-09-10T03:21:00.000-07:00

Hoy se cumplen 12 años del fallecimiento del ilustre maestro Alfredo Kraus, siempre presente en nuestra memoria.

Desde ese rincón queremos rendirle nuestro pequeño homenaje a una de las grandes voces de tenor que paseó el nombre de España por todo el mundo.

Descanse en paz, maestro Kraus.

Felicidades Angela!

2011-09-06T22:44:00.000-07:00

Angela Gheorghiu cumple hoy 46 años. Muchas felicidades para la soprano rumana que tanto nos hace disfrutar con su privilegiada voz.

4 años desde que nos dejó Luciano Pavarotti

2011-09-05T22:48:00.000-07:00

El mes de septiembre está lleno de efemérides operísticas, pero dos de las más importantes, son desgraciadamente, recordatorios de fallecimientos.

Nuestro recuerdo hoy es para el tenor de Módena, Luciano Pavarotti. Descanse en paz, maestro.

Temporada 2011-2012 en Sabadell

2011-09-02T08:59:00.000-07:00

Acabo de conocer más detalles acerca de la próxima temporada de ópera que se llevará a cabo en nuestra ciudad, Sabadell.

En esta ocasión, tal y como se documentó en su momento, desde la A.A.O.S nos proponen tres títulos operísticos y un concierto de Homenaje a la Zarzuela, género que dicho sea de paso, quiero especialmente.

El primero de los títulos que desfilarán a lo largo de este curso es "L´elisire d´Amore" que contará con las voces de Elisa Vélez, Albert Casals, Carles Daza y Toni Marsol, entre otros, en los papeles de Adina, Nemorino, Belcore y Dulcmara respectivamente, todos bajo la dirección del maestro Rubén Gimeno y dirección de escena de Carles Ortiz y escenografía de Jordi Galobart, dos conocidos de la casa.

Las representaciones tendrán lugar en el mes de octubre en el Teatre de la Faràndula de Sabadell y luego viajará por distintas ciudades catalanas. Más información aquí.

Pero sin duda uno de los platos fuertes de la temporada será la segunda parte del concierto Homenaje a la Zarzuela que supone el regreso a los escenarios vallesanos de la soprano madrileña Saioa Hernández, ganadora junto a Ana Tobella del primer premio de la última edición del Concurs Jaume Aragall celebrado en nuestra ciudad el pasado mes de diciembre.

A su lado, otro esperado regreso, el del tenor Carles Cosias, que no actuaba en Sabadell desde su "Don Giovanni" en el año 2009.

Con ellos, completará el reparto el barítono Ismael Pons, otro de los habituales de Sabadell y a diferencia de lo que ocurre con las óperas, este concierto sólo se ofrecerá en Sabadell y en Sant Cugat, entre el mes de noviembre y diciembre.

Egipto invadirá Sabadell durante el mes de febrero ya que regresa la popular "Aida" a nuestro escenario. Con un reparto encabezado por la ganadora del premio que otorga los A.A.O.S en el marco del Concurso Jaume Aragall, Yannick-Muriel Noah quien se pondrá en el papel de la esclava etíope enamorada del joven guerrero Radamés, que será interpretado por Ji Myung Hoon, rivalizando por su amor con la Amneris de Sanya Anastasia (quien interpretó "Carmen" en Sabadell un par de temporadas antes).

El papel de Amonasro se ha confiado al barítono Ismael Pons.

La dirección de orquesta correrá a cargo del italiano Elio Orciuolo, que repite nuevamente en Sabadell y la puesta en escena y dirección se llevará a cargo por el tándem Carles Ortiz-Jordi Galobart.

Y finalmente será "Romeo y Julieta" de Gounod la encargada de clausurar la presente temporada. Como viene siendo habitual, esta última se confía a la dirección de escena de Pau Monterde, mientras que en la dirección musical contaremos con la batuta del maestro Daniel Martínez Gil de Tejada.

Respecto a las voces, asume el papel principal de Julieta la valenciana Maite Alberola, que ya ha ofrecido en nuestra casa papeles como el de Maruxa, Fiordiligi en el "Così fan tutte" o la más reciente Antonia en "Les Contes d´Hofmann".

A su lado, de nuevo el tenor Albert Casals en el papel de Romeo junto a otros habituales de las temporadas vallesanas.

En resumen una temporada que me da muy buenas vibraciones, y no solamente porque el repertorio escogido para esta ocasión es muy de mí agrado, sinó también por el desfile de voces que vamos a tener en nuestro teatro.

Para más información acerca de los días de representación, horarios y ciudades, podeis acceder directamente a la web de la A.A.O.S.

Jonas Kaufmann actúa en Estocolmo

2011-09-02T02:50:00.000-07:00

Hoy día 2 de septiembre es la última actuación del tenor Jonas Kaufmann antes de que se someta a una operación quirúrgica, que él mismo anuncia en su web.

La función se llevará a cabo en Estocolmo, para conmemorar el centenario del nacimiento del tenor Jussi Bjöerling, donde Kaufmann estará acompañado por Katarina Dalayman, Michael Weinius, Lars Cleveman, Emma Vetter, Charles Castronovo, Lena Nordin, Katarina Leoson, Klas Hedlund, John Erik Eleby, Jesper Taube, Paulina Pfeiffer, Yinjia Gong och Kungliga Hovkapellet.

Además será retranmitido por la televisión sueca.

La siguiente actuación del muniqués está prevista para el 10 de octubre en Essen, donde ofrecerá un concierto en el que interpretará obras de Mascagni, Puccini, Massenet y Wagner.

Será el reencuentro de Kaufmann con el público.

Desde este espacio le deseamos una pronta recuperación para que lo antes posible reanude sus actuaciones con más ganas que nunca.

Suerte y adelante, Jonas.

Ha llegado ya el 1 de septiembre

2011-09-01T03:20:00.000-07:00

Parece que fue ayer que todos esperábamos que llegara el día de decir adiós, temporalmente, a nuestros trabajos y adentrarnos, por fn, en el fantástico mundo de las vacaciones, momento en que se aprovecha para hacer aquello que durante el año queda en el tintero, o simplemente para descansar o no hacer nada.

Pero un año más, septiembre aparece inexorable recordándonos la realidad del día a día, de la vuelta a la rutina. Tenemos unos largos 11 meses por delante antes de cogernos las próximas y ya deseadas vacaciones, período que aún tenemos tan reciente.

El mes eptiembre, pero, también es motivo de alegría para los amantes de la ópera. Empieza la nueva temporada en muchos teatros y de nuevo aparecen las ilusiones, las funciones que todos deseamos ver. A muchas de ellas asistiremos, a otras tendremos que conformarnos con los ecos que lleguen de aquellos afortunados que vayan, pero siempre sin perder la ilusión.

Así es que bienvenido sea el 1 de septiembre. Apuremos pues los últimos días de vacaciones que quedan con mucha ópera y muchos conciertos. Con las pilas suficientemente cargadas afrontaremos, espero, un buen año operístico.

Estamos contigo, Jonas!!!!

2011-08-26T07:20:00.000-07:00

Acabo de leer que el tenor alemán Jonas Kaufmann debe someterse a una operación, tal y como el propio artista comunica en su web oficial.

Sólo desearle una pronta recuperación y muchos ánimos para gozar bien pronto de su voz. Y mientras esperamos ansiosos su regreso a los escenarios, escuchémoles en una de las interpretaciones que más me han emocionado del tenor muniqués: "Werther".

Eres mi luna, eres mi sol... eres mi noche de amor...

2011-08-26T06:24:00.000-07:00

A veces las cosas son más simple de lo que una piensa y no se necesita estar escuchando una ópera para emocionarse.

Ejemplo de ello son estas dos fantásticas aportaciones del tenor Plácido Domingo junto a Armando Manzanero. Ambos interpretan a dúo “Adoro” y “Mía”, las dos compuestas por éste último.

Simplemente dejaros llevar por las letras, la música y por la fantástica voz y maestría de Plácido, secundado por el maestro Manzanero en un escenario incomparamble: Chitzen Itzá.

Téngase allá el arriero...

2011-08-25T06:46:00.000-07:00

Para que luego digan que las zarzuelas no tienen buenos textos, os dejo un trozo de "El Cantar del Arriero" del maestro Diez-Giles, porque a veces la palabra también hace poner la carne de gallina:

Téngase allá el arriero,

que de esta puerta no pasa

mientras gobierne mi casa

mi voluntad y mi fuero !

Es mesón y abrigo tiene

para el que a su puerta llama;

pero no para quien viene

con negra y antigua fama.

En una noche lejana

he perdido contra tí ;

hoy que te tropiezo aquí,

no eres tú, soy yo quien gana.

¿Te acuerdas?... Otro mesón

y otro tiempo; la hora, igual.

Atravesaste el umbral

y sentado ante fogón

contra tu frío mortal

calor mis brasas te dieron,

fortaleza mis manjares,

y en mis cuadras y pajares

tus caballos extendieron

la amplitud de sus ijares.

No importaban lluvia y rayo

que hendían la carretera...

Si era Diciembre por fuera,

por dentro todo era Mayo !

Pero tus ojos fijaste

en la reina de mi hogar;

tu copa por ella alzaste...

y el nuevo día al rayar

de mi mesón te llevaste

lo que más pude apreciar!...

La casa entera corrí

buscando a los dos, en vano,

porque no cabía en mí

que al que traté como hermano

me correspondiera así.

Loco, un caballo ensillé

y me lancé a la montaña,

en donde al cabo encontré

a la mujer que adoré

arrojada en la maraña

de unos togales...

Los ojos muy abiertos ; la faz yerta;

los labios, antes tan rojos,

blancos cual los de una muerta,

y el pelo, lleno de abrojos.

¡Caro pagó su placer !...

La hubiste de abandonar

al momento de lograr

su cuerpo !...

Y yo, ¿qué iba a hacer

su infortunio al contemplar?...

Podía haberla matado.

Pero estaba desmayada

y un rufián la había burlado.

¡ De cuanto había pasado,

era la menos culpada !

Sin olvidar, perdoné

a la hembra sin esperanza.

i Pero al hombre, no !... ¡ Y a fe

que a mí mismo me juré

propósitos de venganza !...

Pasó la vida... ¡Ha nevado

tanto ya en mi corazón,

que mi rencor he olvidado !

Ella murió. La he jurado

no matar por su traición.

Por eso al hallarte aquí

te muestro la dicha mía.

¡ Ella es todo para mí !

Por aquélla no podría matarte...

i Por ésta, sí!

Por eso está mi mesón

para tu gente cerrado,

porque aún en el corazón

conservo el dardo clavado

con que me hirió tu traición.

Por eso dije primero :

mientras gobiernen mi casa

mi voluntad y mi fuero,

¡ téngase allá el arriero,

que de esta puerta no pasa !

Lo que nos perdimos (2ª parte): 02 London Arena con Plácido y Angela

2011-08-08T04:46:00.000-07:00

Grácias a unos cuanto vídeos subidos en Youtube, hemos podido gustar un poco de lo que dio de sí el concierto que el pasado 29 de julio realizaron el el O2 London Arena el tenor Plácido Domingo y la soprano Angela Gheorghiu.

Concierto ofrecido a tan solo tres días de la actuación del tenor en el Festival de Peralada y realmente lo encontré muy, muy bien de voz, incluso más que si nos remontamos a principios de año.

No fui testimonio directo en Londres, como tampoco del concierto ofrecido en Peralada del que tan solo pude ver unos breves instantes en las notícias, pero cuando le escuché cantando, ¡con 70 años! el "È lucevan le stelle" comprendí lo que hace mucho tiempo que aprendí con él: su voz no tiene límite y su valúa artistica está a años luz del resto de intérpretes operísticos.

Qué alguien como él te haga emocionar con esa edad es algo que no tiene precio y debemos considerarnos afortunados de poder gozar aún de él.

Veía hace unos días, con motivo de una entrevista realizada entre París y Valencia en la que decía al periodista que no sabís si dentro de cinco años estaría "aún" (y resalto este "aún") cantando.

Después de escuchar lo de ayer en Londres y el aplastante triunfo en Peralada, dos actuaciones posteriores al super "Tamerlano" en el Liceu, podemos pensar que dentro de cinco años estará aún en activo.

Al menos es lo que deseamos.

Qué gran voz. Qué gran hombre. Qué gran maestro.

Los jubilará a todos, sinó, al tiempo.

Mayoría de edad para esta Tosca

2011-08-02T23:42:00.000-07:00

Justo hoy se cumplen 18 años desde que escuché por primera vez cantar "Tosca" a Plácido Domingo.

Nunca podré olvidar aquella fecha, en que las óperas aún se distribuían en formato VHS y sin subtitullos, en la cual mi madre me regaló esta magnífica versión desde el Metropolitan.

Aún se pagaba en nuestras queridas pesetas. Había acabado el colegio y ese año sería el primero en el instituto.

Para mí comprar una joya así era algo inalcanzable, pero había soñado con esa "Tosca", una "Tosca" de la que me compraba el libreto y las letras en la portada aparaecían con color azul.

Coincidencia quizás con la portada de este video...

Recuerdo que cuando mi madre me la compró el chico que nos la vendía me dijo que si era consciente de que no tenía subtítulos. Le contesté que sí, y en un intento de explicarme la obra me comentó que había una aria muy bonita de la soprano, el "Vissi d´Arte".

Le dije que la conocía, pero de hecho, de la "Tosca" sólo conocía dicha aria, las dos de Cavaradossi y el dueto del primer acto.

Cuántas veces habré visto esta versión... ya he perdido la cuenta, pero siempre es especial y bonito volver a aquellos días en que se distribuían las óperas de forma escasa, y en momento en que estaba en pleno descubrimiento del género estas grabaciones ayudaron a amar con mucha pasión el mundo de la ópera.

En esta grabación, hay tres protagonistas fallecidos: el maestro Sinoppoli, Hildegard Behrens y recientemente, Cornel MacNeil, que encarna a Scarpia.

Sirva pues este recuerdo como homenaje a los tres.

Os dejo dos momentos de la ópera:

He aquí el dueto que da título al blog: "E così dolce il suon della tua voce":

49 anni "presso a te"...

2011-08-01T22:44:00.000-07:00

Así decía una de las canciones que integraban el álbum "Italia, ti amo" de Plácido Domingo, compuesta por Plácido Domingo Jr. para celebrar los cuarenta años de matrimonio de sus padres, Marta Ornelas y evidentemente Plácido Domingo.

Hoy, si no voy errada, 1 de agosto de 1962, se cumplen 49 años de su unión, y qué mejor marco para celebrarlo que en Peralada, uno de los más bellos rincones de l´Empordà.

Muchas felicidades a los dos.

Plácido Domingo actúa mañana en Peralada

2011-07-31T08:21:00.000-07:00

Qué lejos están aquellos días de verano en que con inmensa expectación acudía al quiosco más cercano a mí casa para comprar el períodico y saber de las actuaciones que Plácido Domingo ofrecía en Peralada.

Recuerdo con especial cariño el "Otello" junto a Kallen Eperian, sino voy equivocada del año 1992. Leía una y otra vez aquella crónica antes de pasar a archivar la foto en la que Plácido aparecía caracerizado como el moro de Venecia. Por aquellos entonces, aún no guardaba las críticas de los periódicos.

Lejos también está ese verano otellístico en el cual soñaba que algún día estaría en ese Festival, en aquel tiempo para mí inalcanzable.

La última actuación del Maestro Domingo en Peralada fue con un concierto dedicado a la zarzuela andaluza, y desde aquel año, no ha regresado al Festival ampurdanés.

Se cumplen este año el 25 aniversario del Festival, y Peralada tira la casa por la ventana. En la fecha que estamos han desfilado ya las voces de Montserrat Caballé, Joan Pons y Roberto Alagna.

Mañana es el turno de Plácido Domingo que obsequirá a los asistentes, junto a la soprano argentina Virginia Tola, un concierto de zarzuela.

Eso sí, si el tiempo y la lluvia lo permite.

He tenido la oportunidad de asisitir dos veces a Peralada, y este año, que tenemos a Plácido a sólo dos horas de casa, me es imposible asisitir, aunque estoy segura que se vivirá una gran noche de música con un Maestro Domingo en plena forma.

Tendremos que esperar la próxima vez, quizás cuando el Festival celebre los 30 años, dentro de cinco años, y si Plácido Domingo sigue cantando, será un buen acontecimiento para no perdérselo.

Aquí hay mucha química...

2011-07-30T11:38:00.000-07:00

Qué afortunados somos de poder gozar de estas voces. No añado más comentarios, simplemente disfrutarlo.

Qué nos perdimos...

2011-07-28T08:55:00.000-07:00

Me gustaría estar en Londres mañana.

Una ciudad que me apasionó, por un lado, y con el aliciente de escuchar además, a Plácido Domingo y a Angela Gheorghiu, juntos y en directo.

Pero también me hubiera gustado, y mucho, estar hace un par de semanas. En la R.O.H. se representaba "Tosca", una de mís óperas favoritas, y además fue interpretada por Angela Gheorghiu y el tenor alemán Jonas Kaufmann en el papel de Cavaradossi.

No es la primera ópera que les veo juntos, antes estuvo una "Traviata" y una "Adriana", siempre desde el sofá de casa, claro, pero sí que estas funciones, en este momento, hubieran sido muy especiales e importantes para mí.

Por ello, buscando por internet he encontrado este pequeño avance de lo que puede ser esta representación, que hay previsto grabar en DVD. Esperemos que no tarden mucho.

Plácido y Ángela de nuevo juntos

2011-07-28T08:41:00.001-07:00

Dos de mís voces favoritas juntos de nuevo y esta vez en directo en Londres.

Plácido Domingo y la soprano rumana Ángela Gheorghiu ofrecen un concierto en Londres. Y para ir haciendo boca a lo que este acontecimiento puede ser, os dejo con estas dos maravillosas voces:

Poderoso Plácido

2011-07-10T07:41:00.000-07:00

9 de juliode 2011...

Una fechaque todos los aficionados a la ópera tardaremos en olvidar.

Había sidoya todo un éxito la representación del “Tamerlano” de Händel el pasadomiércoles, primera de las dos funciones programadas por el Gran Teatre delLiceu, y nada daba pie a pensar que la función del sábado no lo fuera.

Todosíbamos entusiasmados ante la gran expectativa suscitada por la representaciónanterior.

No soypartidaria de las óperas ofrecidas en versión de concierto, ya que consideroque una ópera es un conjunto de elementos que la hacen única y mágica: teatro,decorado, vestuario, y voces, sobretodo esas grandes voces que te elevan a lomás alto.

Voces quehacen emocionarte con el más mínimo susurro, pero.., cuando un teatro programauna ópera en versión concierto, y ante las enrevesadas puestas en escena de lascuales se hace gala hoy en día, y... cuando además – como ayer- se tira la casapor la ventana y todo el elenco es de “primera división”, no hace faltaapoyarse en un decorado, en un vestido o en un gesto para vivir las mismassensaciones que con una ópera representada.

El barrocodefinitivamente no es mí estilo, nunca lo ha sido y jamás lo será por mucho quelo intente. Puede hacerse más pasable si las voces que lo interpretan son degran calidad, pero me quedo aquí.

Había vistoesta obra en Madrid tres años atrás y no me gustó. Ayer siguió sin gustarme,insisto, la obra, aunque debo reconocer la gran excelsitud de todos losintérpretes.

Dentro delteatro, la puerta de entrada a la platea mostraba ya los atriles de losintérpretes. La inmensidad de la sala barcelonesa, aún vacía, se abría ante mísojos.

Y quisedisfrutar del momento del acceso a la platea. Disfrutar el paseo hasta laprimera fila con mís entradas soñadas. Todo a punto para que empezara larepresentación. Teníamos ni más ni menos que cuatro horas por delante.

Pasemospues a la parte estrictamente musical.

WILLIAM LACEY tomó la batuta y se puso al frentede una reducida Orquestra Simfònica del Gran Teatre del Liceu. Fue cómplice entodo momento con los cantantes, especialmente con Plácido Domingo. Entusiasmadocon el género nos ofreció una gran representación.

El granactractivo y reclamo de la noche recaía en el regreso de Plácido Domingo aBarcelona después de su excelsa “Walkyira” en mayo del 2008, pero permitidmeque deje a Domingo para el final, puesto que, evidentemente, va a ser elintérprete con el que voy a extenderme más.

BEJUN MEHTA encarnaba al personaje que datítulo a esta ópera de Händel. Él asumía el role protagonista de la velada, yla verdad es que se erigió, junto a Plácido, en el “otro” protagonista de lavelada.

No quierodar la sensación de este “otro” en sentido despectivo, al contrario.

Tengodebilidad por los tenores, lo confieso, pero no por los contratenores. Sonvoces que me cuestan, que no me son agradables al oído, pero después deescuchar los dos de ayer noche, -aunque nunca seré amante de estos registros-debo decir que la voz de Mehta esagradable de escuchar.

Ofreció unaextraordinaria representación dándolo todo en cada una de sus intervencionesvocales y, a pesar de ser versión concierto, estaba metido en su papel.

Unapartitura rellena de endiabladas coloraturas que hacía fáciles en su voz.Realmente un prodigio vocal que hemos descubierto, al que sin duda, le podemosaugurar una brillante carrera en el género.

Y siguiendocon los contratenores, MAX EMANUELCENCIC, de una voz bien timbrada y dulce de contratenor, quizás con notanto volumen que su compañero Mehta, interpretó el papel de Andronico.

Me gustó entodas sus intervenciones, especialmente con el dueto con Asteria.

Preciamentees este último papel a quien puso voz la soprano SARAHFOX quien dejó grandes detalles de musicalidad sobretodo en su última ariadel segundo acto “Cor di padre e cor di amante”.

Me gustó ANNE SOPHIE VON OTTER en su breve papelde Irene. Perfecta conocedora del estilo en que nadaba transmitía al público sucanto como algo fácil. Se entusiasmó con sus partes dándome la sensación de queen aquél momento estaba cantando lo más maravilloso del mundo.

Menciónespecial para el Leone de VITO PRIANTE,una voz bien timbrada de la que hizo gala en su única aria de la noche,aplaudida generosamente.

Yfinalmente ahora sí, la voz por la cual soporté 4 horas de coloraturas, de unestilo que es completamente ajeno a lo que más me emociona, pero por PLÁCIDO todo.

Él tiene elgran don de convertir algo que no te gusta en algo que pasado por sus cuerdasvocales queda revestido como algo maravilloso.

Bien escierto que, excepto Domingo, todo el cast, era especialista en barroco, oalmenos, habían hecho en dicho estilo, más “campaña” que el propio Plácido.

Pero paraPlácido Domingo esto no es un impedimento. Sus intervenciones eran las únicasque me hacían olvidar –grácias a Dios- que me estaba enfrentando a una óperabarroca.

Puntualizoy no quiero que se entienda en sentido negativo: pasado el primer acto en queen sus dos arias están caracterizadas por la presencia de bastantescoloraturas, en el resto de la obra es donde le encontré, libre de pirotecniacon un canto “mucho” más próximo a su estilo.

La escenafinal de su muerte fue sencillamente deliciosa y extraordinaria: para mí no eraen aquel momento Bajazet. Era un Boccanegra agonizando, matizando cada una delas palabras, cada una de las notas emitidas. Casi con un hilo de voz que hizotemblar al Liceu entero. Un sonoro y entusiasta “bravo” se oyó al final de suúltima intervención.

Quien dijoque al inicio de su carrera en México que Plácido Domingo no tenía nada quéhacer en un escenario de ópera, vaticinó el peor de los dislates escuchados yescritos.

Ayer se nospresentó un señor de 70 años... sí 70 años, pero con un poderío vocal yescénico arrollador. Cuando abría la boca su potencia era evidente, conservaese volumen de timbre fresco y unos centros preciosos que han sido y son aún,característica de su inconmensuable voz y arte.

Sólo por laentrega, por el entusiasmo y la pasión, por su fraseo y serenidad, por suimponente poderío escénico y arrolladora personalidad y presencia vale la penadisfrutar de algo que tardaremos en olvidar. Al menos yo.

Las ganasde un principiante y la sabiduría ganada con la madurez adquirida en losescenarios hacen de Plácido Domingo un intérprete único e irrepetible.

¿Qué puedodecir yo de alguien respecto del cual ya se ha escrito todo?

Alguienque, en cualquier parte del mundo, por recóndito que sea, que tiene ganado elcariño y el respeto del público simplemente antes de emitir una sola nota, esalgo al alcance de muy pocos.

Laveneración de todos sus admiradores fue palpable ayer noche, una vez más en elLiceu con un público completamente entregado al portento vocal del intérpretemadrileño.

Y es que enBarcelona hay ganas de Plácido, lástima que sus visitas a la ciudad condal nosean tan frecuentes como las que realiza en su ciudad natal, pero el cariño delpúblico del Liceu es tan, o más ardiente, que el que recibe en Madrid.

Queremosmucho a Plácido y una vez más se lo demostramos.

Con elseparador de la orquesta clavado en mí cuerpo aplauidí y braveé una y otra veza Plácido, sin descanso, con entusiasmo, con fe y total convicción de lo queestaba viviendo ayer noche no se vive en cada función de ópera a la que asisto.

Era tal miemoción en la ronda de aplausos que no pude contener el llanto al ver todasesas espontáneas muestras de cariño que una y otra vez se iban repitiendo y entodos los idiomas.

Un aluviónde claveles blancos y encarnados forraron el escenario del Liceu.

Quizás comodije cuando acudí a esa inolvidable “Walkyria” es probable que ayer por lanoche viviéramos un momento histórico: a lo mejor era la última función delgran Plácido Domingo en el Liceu y estábamos allí...

Aunquesinceramente, dado el estado de salud vocal en que lo encontré, no descarto unapróxima presencia en Barcelona, ya que a este paso, Domingo los jubila a todos.

Latotalidad del público que llenaba el teatro en pie desde lo más alto hasta laprimera fila de platea forzó una nueva ronda de aplausos.

Un Plácidoentregado, se arrodilló en el escenario y con una mano besó las tablasbarcelonesas en muestra del cariño que estaba recibiendo.

Salícompletamente emocionada y tocada del teatro con una sensación de bienestarindescriptible con ganas de volverle a escuchar en directo. Con muchas ganas.

Sólo mequeda por decir: ¡Grácias Maestro, regrese pronto a Barcelona!

¡Muchas felicidades, Jonas!

2011-07-10T01:28:00.000-07:00

El tenor más mediatico del momento, Jonas Kaufmann, cumple hoy 42 años.

Después de triunfar con su reciente paso por Valencia, ciudad en la que cantó "Fidelio", una obra que el tenor muniqués conoce a la perfección, procedente de Nueva York después de haber afrontado por primera ve el ròle de Siegmund, y de sus dos "Bohèmes" en Zurich, Jonas Kaufmann está destinado a ser uno de los grandes del panorama operístico actual.

Y en efecto, ya lo es.

Kaufmann es uno de los que hoy "cortan el pastel". Quienes hayan tenido la suerte de haber gozado de su Florestan en el Palau de les Arts, lo podrán confirmar.

Para los que no le hemos escuchado en directo aún, nos lo podemos imaginar, aunque suscribimoslas palabras de aquellos que lo viviero.

Por ello, desde este rinconcito dedicado a la ópera deseamos y esperamos tenerle de nuevo muy pronto en España, sobretodo en Barcelona después de que a principios de temporada nos cancelara "Die schöne Müllerin".

Lo dicho, un pronto regreso, y sobretodo desearle un feliz cumpleaños.

21 años bajo el cielo romano

2011-07-07T07:33:00.000-07:00

Y su frescura continua intacta.

Hoy se cumplen 21 años desde que tres señores que responden al nombre de Plácido Domingo, José Carreras y Luciano Pavarotti revolucionaron el mundo de la ópera uniéndose, bajo el azul cielo de la noche romana, como preludio a la final del mundial celebrado en Italia en 1990.

21 años ya, amando la ópera. A cuatro años vista de mís bodas de plata con el género, nunca hubiera pensado llegar tan lejos en este apasionado mundo que es el motor de mí vida.

21 años, más de los de la mitad de mí vida. Un acontecimiento único e irrepetible que permanece joven ante nuestros ojos. Lo que nunca se había visto en el mundo de la ópera.

Nunca se les agradecerá bastante lo que estos tres hombres hicieron en pro de la ópera. Si bien es verdad que la crítica les vapuleó, y seguirá haciéndolo siempre a pesar de que el resultado cultural fuera, evidentemente, el que fue, ha sido y seguirá siendo.

Algo que nunca pasará de moda y que de generación en generación estoy segura que ese encuentro tendrá un lugar especial en todas las colecciones hechas y por hacer de las que todos disponemsos en nuestras casas.

Si alguien siente curiosidad por el mundo de la ópera, qué mejor manera de empezar escuchando a estos tres grandes hombres... A estas tres magníficasvoces...

Mí agradecimiento a ellos es infinito. Mí amor y pasión por la ópera, inconmensurable.

Grácias al trío, y grácias sobretodo a Plácido Domingo que fue quien me "tocó"con su voz permitiéndome gozar en todos estos años de la música que él ama... de la música que tanto amo yo...

Primer "Tamerlano" en Barcelona

2011-07-06T07:37:00.000-07:00

Hoy es la primera de las dos funciones que Plácido Domingo ofrecerá en el Liceu de la ópera "Tamerlano" de Händel, obra con la cual se presentó en el Teatro Real de Madrid en el año 2008.

La próxima de las funciones tendrá lugar el sábado, a la misma hora, a las 20.00h.

Con ellas, Domingo regresa a la ciudad condal después de tres años de ausencia, ya que su última aparición en el teatro de la Ramblas fue con "Die Walküre", en el mes de mayo de 2008, y, como en este "Tamerlano", también las ofreció en versión concierto.

Todos mis mejores deseos para esta noche para el Maestro Domingo.

10

2011-06-30T02:19:00.000-07:00

Después de triunfar en el Chatelet de París con las funciones de “Il postino”, Plácido Domingo ofrece hoy la última representación de la ópera de Daniel Catán en la capital francesa.

Después, su próxima cita ya es con el respetable de Barcelona que le aguarda ansioso. Le quedan exactamente siete días para presentarse ante el público del Liceu. Yo todavía tendré que esperar un poquitín más, 10 días en concreto para poder volver a disfrutar nuevamente de su voz en directo.

Se van a hacer eternos estos días aguardando ese “Tamerlano”, la ópera de Händel con la que Domingo nos volverá a regalar, en Barcelona, su voz.

“La Walkyria” en el MET por Jonas Kaufmann

2011-06-13T08:56:00.000-07:00

Muchaera la expectación que me suscitaba el debut de Jonas Kaufmann con la ópera deWagner, “Die Walküre”, ni más ni menos que en Metropolitan.

Lehabía escuchado a modo de adelanto su “Winterstürme” en el disco dedicado aarias alemanas y se la había ya escuchado, ya completa, en audio.

Peropara mí, que estoy acostumbrada a “ver” la ópera, necesitaba verle en escena. Teníaganas de ver el enfoque que le daba a Siegmund el tenor germano y más, despuésde ver el par de videos que se colgaron en la propia web del teatronorteamericano.

Espues comprensible que las miradas y las atenciones estuvieran, precisamente,puestas en él.

Mehubiera gustado poder gozar de la representación en el cine: pantalla gigante yvolumen a “tuti plen”, pero cuando no es posible una tiene que resignarse yaprender a esperar. Y esta espera se vio recompensada.

Despuésde dos decargas fallidas, a la tercera fue la definitiva.

Empezaréa hablar de la puesta en escena, que me pareció ya en el primer acto, realmenteinteresante.

Enla primera escena, mientras el maestro Levine ejecuta el preludio, 24plataformas hidráulicas, convierten el enorme escenario del MET en el bosquepor el cual Siegmund corre perseguido por sus enemigos, quienes llevan, enmediode la oscuridad, unos farolillos.

Siegmundlos despista mezclándose en la foresta y llega a casa de Hunding, donde de las24 platadormas, dos sugieren el fresno en el cual aguarda, clavada hasta laempuñadura, la espada que Wälse prometió a su hijo en un momento de extremanecesidad.

Elresto de plataformas, forman la morada de Hunding.En el exterior de la casa,nieva, mientras, en el interior, Siegmund cae muerto de cansancio.

Unaescenografía sencilla, que resuelve cada uno de los actos de manera sencillaeficaz: tanto sirven para recrear un bosque, que el Walhalla, o que lasmontañas rocosas envueltas del fuego mágico con el que Wotan circunda a su hijaBrunilda por haberle desobedecido.

Respectoal vestuario, me gustó especialmente el de las walkyrias, coronas con alas,escudos y lanzas, para mí, se mezcló junto a la escenografía, un poco loclásico, con lo moderno.

Yéste cóctel funcionó a la perfección.

Otrosdetalles que me gustaron y fueron sugerentes: las sombras que se proyectan enel fondo del escenario cuando Siegmund relata su infancia y la pérdida de supadre a Hunding y Sieglinde.

Perotambién es justo hablar de lo artístico: los personajes estaban compenetradosentre sí. Sin ser explosiva, la química entre Siegmnund y Sieglinde funcionabay la cámara trató de mostrar ese amor naciente entre los gemelos welsungosmediante las miradas que se cruzan ambos o simplemente con un roce de manos.

Química,pero, meramente germana acusando más frialdad que calidez llegando, en ciertomomento, a pecar de estáticos.

Espectacularpara mí la escena de la Cabalgata, resuelta con clara eficacia, claro que aello también contribuyó de lleno la dirección orquestal del maestro JAMES LEVINE.

Físicamentemuy deteriorado ejecutó una Walkyria de manual. Ya en el primer acto me parecióestar escuchando una ópera desconocida, puesto que, el preludio que nos propone,me dejó detalles musicales que en ningún otro director había sabido encontrarhasta ahora.

Unnuevo preludio con una multitud de matices que sugieren aún más los pasos delwelsungo huidizo, su respiración en busca de aliento, las pulsaciones de lasvenas que brotan en la cara y cuello de Siegmund...

Yasí en toda la obra. Bravo, bravo Levine.

AEVA MARIA WESTBROEK ya la habíaescuchado hará ahora 2 años, en directo, en el Palau de les Arts de Valencia,junto al Siegmund de Domingo.

Entoncesno acabó de agradarme y sin duda el motivo es porque la Sieglinde la tengoasociada a la voz, para mí, más aterciopelada de la Meier y a quién se la heescuchado muchas veces.

Sinembargo, Westbroek encontró su mejor momento en el segundo acto ya que en elprimero me faltó quizás, un poco más de dulzura.

ElHunding de HANS-PETER KÖNIG no meresultó tan antipático como otros Hundings que he escuchado. Parecía un gigantesacado de un cuento de hadas: era enorme y daba perfectamente la imagen.

Meencantó el Wotan de BRYN TERFEL quedotó al Dios de los Dioses una voz bien timbrada, llena de matices y deintenciones.

Yademás, al igual que comento en el caso de Hunding, daba el personaje. Terfeles altísimo, solemmne, pero también un “déu de pa sucat amb oli” como diríamosen catalán (un calzonazos, vaya), pero la escena de la muerte de Siegmundestuvo realmente arrebatador.

Laexpresividad de su voz se puso al servicio de su personaje. Un Wotan más“padre” que “Dios”.

DEBORAH VOIGT me encantó en sulargo papel de Brunilda, salvando inteligentemente, todas las dificultades dela partitura.

LaFricka de STEPHANIE BLYTHE cumpliósu cometido así como el resto de Walkyrias que desplegaron sus mejores recursosvocales en la famosa escena de la Cabalgata.

Yfinalmente JONAS KAUFMANN.

Élera el punto de mira en esta representación, como he comentado. Había debutadoun par de semanas antes el Siegmund en el coliseo norteamericano y el revuelocreado entorno a él era grande. Sin duda el protagonista de la veladaindiscutiblemente era él.

Estoysegura que si Wagner levantara la cabeza hubiera querido para su Siegmund unavoz como la del muniqués. Recia, fuerte, oscura, sin ningún ápice de dulzura,una voz de héroe y no de humano.

Lahumanidad y la dulzura es lo que eché en falta su ejecución del primer acto, quees donde se rebela el amor incestuoso de los hermanos welsungos, pero claro,los hermanos son germanos y no mediterráneos, y la pasión entre ambos notraspira por sus poros.

Mees muy dfícil poder hacer una valoración con imparcialidad de su aportación, yaque, me era inevitable compararlo, una y otra vez, con el Siegmund de PlácidoDomingo.

Elmadrileño fue el primero a quién le escuché este personaje: su pasión, susmovimientos, su timbre vocal, su dulzura es algo que no encontré en este primeracto.

Nodigo que esté mal cantado, no, por favor, dado que Kaufmann está llamado a serel mejor Siegmund que podemos y podremos encontrar en años venideros. No, Kaufamnnelabora “su” propio Siegmund: germano y menos sutil que el apasionado yardiente del de Domingo.

Kaufmannafronta el Siegmund desde un lado más intimista, sobretodo en el primer acto,pero sin embargo, es en las dos escenas del segundo acto (primero con Sieglindey luego con Brunilda) donde saca –para mí, lo mejor de sí, donde rebela sutemperamento, donde vemos al Siegmund más humano.

Esen este momento donde Kaufmann puede pasear la sala neoyorquina todas lassutilezas y matices que caracterizan la voz de este tenor: cambios de color,apianamientos y expresividad se ponen todas ellas al servicio de la música.

Nospresenta un Siegmund joven, esbelto, dotado de una voz de tenor heróicoadecuada para el personaje. Su voz no sufre y aguanta sin dificultad elmaratoniano primer acto. Sus “Wälse, Wälse” y los dos “Nothung” finales estanbien mantenidos y ejecutados. Al igual que en su “so blühe denn, Welsungen-Blut”, en la que su voz no tiemblaante el agudo final con el que concluye el primer acto.

Es“su” Walkyria, sin duda, y el público supo apreciarlo y recompensarlo con una“standing ovation” nada más asomar su figura en el escenario en los aplausosfinales.

Esun gran Siegmund, ya, y estoy segura que cuando haya rodado más el personaje,su ejecución será doblemente impresionante.

"Maitechu mia"

2011-06-10T07:30:00.001-07:00

Parece que fue ayer.

Era pequeñita cuando ese grabó este fragmento: "Maitechu mia" con "Mocedades" y el tenor Plácido Domingo.

Recuerdo habero visto por televisión y soy consciente de este recuerdo a pesar de la corta edad que tenía y hoy, en este blog he encontrado de nuevo esta joya.

Simplemente no tengo palabras porque ha sido empezarlo y ponerse la carne de gallina: un joven y guapo Plácido Domingo secundado por un grupo vocal estraordinario.

Poca cosa puedo añadir más a esta maravilla. Simplemente puedo disfrutarlo una y otra vez. Aquí lo dejo:

Un mes y... "Tamerlano" en Barcelona

2011-06-09T07:54:00.000-07:00

Por fin. Ya era hora.

Falta exactamente un mes para mi función de "Tamerlano", con Plácido Domingo, en el Liceu. Hoy empieza la cuenta atrás de un mes que se me va a hacer larguísimo.

Llevo un año esperándolo... (suena anuncio de turrón, pero es así).

Además, aprovechando que Domingo estará por nuestros lares, el Gran Teatre del Liceu aprovechará para entregarle la Medalla de Oro de esta entidad, el día 2 de julio y le homenajeará con una cena.

Así es que, con un mes de antelación, le damos la bienvenida a Barcelona.

¡Feliz cumpleaños, Roberto!

2011-06-07T10:24:00.000-07:00

El tenor Roberto Alagna cumple hoy 48 años. Y parece que fue ayer cuando empecé a escucharle... y de ello hará ya unos trece o catorce años.
Pues lo dicho: "Muchas felicidades" y que podamos gozar por muchos años más de su voz.

Os dejo con dos canciones de su espectáculo "C´est magnifique!", un homenaje a Luis Mariano:

Tres años ya... increíble.

2011-05-31T10:21:00.000-07:00

No puedo dejar pasar este día que es tan especial para mí: hoy se cumplen tres años desde que escuché a Plácido Domingo por primera vez en el Liceu: la función, una inmejorble Walkyria que aún conservo y conservaré para siempre jamás grabada en mí memoria ya que fue una de las mejores noches vividas en un teatro de ópera.

Vaya pues mí recuerdo para él.

19 de mayo de...1961: 50 años. Suma y sigue.

2011-05-18T22:48:00.000-07:00

Fecha en la cual un jovencísimo tenor que respondía al nombre de Plácido Domingo, debutó como primer tenor en Monterrey en el papel de Alfredo Germon de "La Traviata" de Verdi.

Y desde entonces han llovido la friolera de 50 años y Domingo sigue.

Y parece que hay para tiempo, ya que según leí tiene compromisos hasta 2015, año en que tendrá 74 primaveras, solamente.

Coincidencias de la vida, "La Traviata" fue la primera ópera que escuché con dos años, y el primer tenor a quien se la escuché fue a Plácido. Más tarde sería también la primera ópera que grabaría en vídeo.

Podría decir, a estas altura, muchas cosas sobre Plácido Domingo, nada que no haya quedado ya escrito. Pero hoy es un día especial: son las bodas de oro de Plácido con la ópera.

50 años de éxitos. 50 años disfrutando de su voz. 50 años en que ha dado lo mejor de sí en un escenario. 50 años entregado al público. 50 años admirado. 50 años en los cuales no han faltado sus detractores.

Sí, nos ha regalado 50 años de su vida y nos ha enseñado a amar la ópera. Son 50 años que llevamos queriéndole y admirándole.

Grácias por ello, Maestro. Dios le conserve la salud, la voz y esa pasión que pone en todas las cosas que hace.

Grácias y muchas felicidades. Pocos artistas llegan donde Vd. ya hace años que ha llegado.

Numero quindici, a mano manca, quatro gradini, faciatta bianca...

2011-05-16T09:22:00.000-07:00

Uno de los momentos que más me gustan del“Barbero”…quizás el que más de dos horas y pico de música… en fin…

Pensaba… Creía que… con tesón y voluntad(sobretodo, mucha voluntad) “El barbero de Sevilla” ocuparía, no un lugarprivilegiado en mí corazón, puesto que el cariño no se puede forzar, pero si unlugar entre aquellas óperas que sin ser mis preferidas, puedes hacerlasllevaderas, sin arrancar grandes entusiasmos.

Pero no, no fue así. He intentado en este últimoaño escucharla con cariño e incluso ha habido trozos que no me han desagradado…pero aún así… vuelvo a mís orígenes: Rossini no me gusta y me aburre.

Y no podré echar la culpa esta vez a losintérpretes, porque todos, absolutamente todos fueron de calidad y estuvieronmagníficos… o a la puesta en escena, clásica pero sencilla y funcional. No.

Como digo los gustos no se pueden forzar: o entraso no entras, esto está claro, y yo con Rossini, no me llevo bien.

Precisamente, esta ópera era la escogida por losA.A.O.S para concluir la presente temporada en nuestro teatro de La Faràndulade Sabadell. Había abundancia de público pero no se logró colgar el letrero de“No hay entradas”. Es comprensible (para mí almenos, y secundo esa situación).

Si hay algo que no puedo soportar cuando voy a unteatro de ópera, es la impertinencia de la gente: uno se lo puede pasar bien,puede disfrutar con la obra, y más con el “Barbero” que da lugar a ello, pero,hay algo que se llama respeto a los demás, y es muy molesto que detrás de titengas a un individuo que se pasa la ópera riéndose, desconcentrando a la gente.A mí me desconcentró mucho, y entre que la obra no me gustaba y este señor,pasé una tarde para nada agradable.

Nada agradable, entre otras cosas, que me reservode escribir por respeto.

La escena de PAUMONTERDE funciona a la perfección, con un dominio de los blancos y un clarojuego de luces de NANI VALLS, comosiempre impecables.

La escenografía gira sobre sí misma y da el espacioperfecto de una plaza a los pies del balcón de Rosina, y el interior de la casadel Doctor Bartolo, con muchas escaleras que los intérpretes no paran de subiry bajar.

El vestuario, firmado por els A.A.O.S, sencillo yefectivo, acabó de encajar en una función marcada por el buen gusto y el sabioequilibrio.

DANIELMARTÍNEZ fue el encargado de dirigir la obra, quien ejecutó un buenpreludio y estuvo muy atento a los cantantes durante toda la representación,manteniendo bien el volumen.

Quizás las expectativas de la tarde estaban puestasen el cantante que interpretaba el ròle principal de la ópera, Fígaro,encarnado por el barítono catalán CARLESDAZA.

Se nota la evolución del intéprete, vocal yescénicamente. Crecido de volumen respecto de las otras interpretaciones que lehe escuchado y con un dominio de la escena considerable.

Quizás dejando de lado su “Largo al Factotum”, paramí, mejorable, estuvo magnífico en el resto de la obra. Su canto entendedor(sobretodo en los pasajes rápidos) y sus limpias coloraturas le hicieronmerecedor de una de las mayores ovaciones de la tarde.

Puede que esta sea su consolidación en Sabadell.Lástima que no disfruté de la ópera.

El conde de Almaviva fue cantado por el tenorbarcelonés ALBERT CASALS quien poseeuna muy buena línea de canto, pero me dio la sensación de que el papel lepesaba un poco, sobretodo al principio. Fue ganando en seguridad a lo largo dela tarde.

NATALIAGAVRILAN a quien ya había escuchado hace algunos años en la Adalgisa de la“Norma”, ofreció una Rosina, para mí, un poco pasada de volumen. Su voz quizásno es suficientemente ligera y ágil para este comprometido ròle, pero supoabordarlo llevándolo a su terreno, sin complicaciones y con sencillez.

Caso a parte, es el Doctor Bartolo del veterano ENRIC SERRA, que según la prensa local,ha interpretado el personaje más de 180 veces. Y se nota. Su saber estar, suaplomo en el escenario es de sobresaliente. Lástima que la voz no responde comoaños ha, el paso del tiempo es inexorable para con los artistas, pero sumaestría y veteranía fueron elementos que le llevaron a cosechar, también, unagran ovación por parte del público sabadellense.

MARC PUJOLofrecióun fresco Don Basilio. Su aria más popular “La Calumnia”, sin ser una interpretaciónde ensueño fue una de las que más me gustaron de la tarde. Es una voz a seguir.

Sorpresa con la Berta de EUGENIA MONTENEGRO, su voz destacaba sobre todo en lasinterpretaciones conjuntas, con un timbre bello y volumen considerable. Junto aDaza, una de las más aplaudidas, y junto a Daza, también valga la redundancia,recibió por parte del público un ramo de flores.

Breve papel el de Fiorello interpretado por EDUARD MORENO, quien me gustó bastantea pesar de que tan solo tiene unas frases. Una lástima.

En resumen, una buena tarde musical con un nivelaltísimo vocalmente. Para la temporada que viene están anunciadas“ElisirD´Amore”, la segunda parte del concierto de “Homenaje a la zarzuela”,“Aida” y “Romeo y Julieta”.

Promete ser una gran año.

Por cierto, lo olvidaba, me encontré en el hall delteatro con una señora de Barcelona que me comentó que había visto “Die Walküre”del MET.

Ilusa de mí, le comenté, “sí ayer la pasaban en elcine... ¿cómo fue?”... y me contesta, “no, no, que la vi en Nueva York conKaufmann”... ¡¡Ufffffff... con Kaufmann!!! Y en el MET... un teatro al cualtengo pendiente de ir un día... espero que no sea muy lejano.

“Expliqui, expliqui...” empecé... creo que fue elmejor momento de la tarde.

"The phantom of the opera is there... inside my mind"

2011-05-11T09:48:00.000-07:00

Nopodía dejar pasar la oportunidad de estar en Londres y no asistir a uno de losmusicales más famosos y más representados de la historia: “El fantasma de laópera”.

Desdeque se estrenó la obra de Webber, hace más de 25 años, ha estado siempre en cartely con un lleno absoluto.

Lahistoria del músico, hombre desfigurado por nacimiento que oculta su deformidadtras un máscara es una narración que conmueve porque ama, porque siente lasmismas pasiones que otro hombre, sentimientos que jamás le serán correspondidos.

Sólohallará compasión en Cristine, la mujer a quien ha enseñado canto y de la cualestá enamorado. Obsesionado. Ella es la única que amansa a este engendro de lanaturaleza.

Lafunción se ofrecía en el Her Majesty’sTheatre, en la calle Haymarket, a dospasos de Picadilly Circus. Había sesión de tarde y de noche.

Asistimosa la de la tarde pensando que habría menos gente, pero lo cierto es que elteatro estaba lleno.

Yen el momento en que te dispones a disfrutar de este musical, igual que me ocurrierael domingo por la tarde en el Covent Garden, es imposible no pensar en lapelícula que se estrenó en 2005 y que, me apasionó tanto que la repetí tresveces en el cine y una infinidad de veces más en casa.

Apesar de ello, la obra en el teatro está lograda en todos los aspectos, juegancon los efectos visuales inclinando las rampas cuando el Fantasma lleva aCristine a su mundo de oscuridad. Hay barca, luces que salen de debajo delescenario.

Lamagia deambula ya desde la sombría primera escena de la subasta. La lámpara,objeto de la subasta, valga la redundancia, se enciende y asciende casi hastael centro del teatro donde permanece. No cae la lámpara a diferencia de laversión cinematográfica de 2005 y de tantas otras muchas propuestas anterioresa la misma.

Estánen el escenario todos los elementos, y las voces en directo hacen aún másespecial la melódica obra de Lloyd Webber.

Todoslos cantantes secundarios dan especialmente la talla. Perosin duda los protagonistas de la obra, exceptuando a Raúl que tiene su mayorlucimiento en el “That´s all I ask for you” en la terraza de la ópera, son elFantasma y Cristine.

Lavoz de JONH OWEN-JONES es másatenorada que oscura pero retrata un personaje atormentado y deseperado aunque en los momentos en quepretende seducir a Cristine, en su “The music of the night” le falta un pocomás de centralidad y expresividad. Quizás una voz un tanto más grave hubieraencajado mejor. Lo mismo ocurre con su “The point of no return” del final de laobra, que aún siendo cantado de forma extraordinaria, me fue inevitable pensaren la magnífica actuación del actor Gerard Butler que dio vida al fantasma enel cine.

Exceptoestos dos puntos, estuvo magnífico en el resto de la obra.

Aquídejo estos dos fragmentos en la interpretación de Butler:

LaCristine de la portuguesa CRISTINAESCOBAR dotó al personaje de la dulzura que requiere este role haciendo muybuena pareja musical tanto con el fantasma como con Raúl.

ElRaúl de OLIVER EYRE fue correcto sindestacar de forma sobresaliente.

Unaexperiencia sin duda inolvidable que abría un gran fin de semana musical.

El "Werther" de Don Rolando en el Covent Garden

2011-05-10T14:54:00.000-07:00

Londres, Covent Garden, Werther, Rolando Villazón, SophieKoch, Antonio Pappano, Benoît Jaquot... una combinación perfecta deingredientes que aseguraban, de entrada un éxito y una muy buena tardeoperística.

Como no podía ser de otra manera, en la fecha en que secelebraba el día internacional de la ópera, yo estaba ni más ni menos que enLondres, dispuesta a disfrutar de mí primera tarde en el Covent Garden.

Quería que todo saliera perfecto. Era mucha la ilusión queponía en esa función que tanto significa para mí y de una producción queconozco a la perfección dada su difusión por la televisión y más recientementeen DVD en unas representaciones que tuvieron lugar el año pasado en la Bastillade París.

En Londres, la batuta del maestro Plasson, quien dirigió enParís, era sustituida por la de Antonio Pappano, mientras que el tenor muniquésJonas Kaufmann era reemplazado por su colega mexicano, Rolando Villazón.Repetía la Charlotte de Sophie Koch y el Bailly de Alain Vernhes.

En una situación como ésta, y después de haber visto hastala saciedad la producción de la Bastilla, me era muy difícil llegar al CoventGarden y olvidarme completamente de la actuación de Kaufmann. Además, RolandoVillazón “calca” los movimientos del alemán y, en mí caso, eso era un alicientemás que me hacían pensar en Kaufmann y entrar en el juego de las comparaciones.

Sí, las comparaciones son odiosas, pero es inevitablehacerlas. Pero esa situación dura solo unos minutos, quizás los iniciales,porque luego te dejas llevar por el fuego y la pasión que Rolando le pone alpersonaje, del cual hablaré más tarde.

A las tres en punto, haciendo gala de la puntualidadbritánica, el maestro PAPPANO seponía enfrente de la orquesta de la R.O.H y empezaban a sonar los primeroscompases de la obra.

Era la primera vez que escuchaba “Werther” en directo. Unaobra que en estos momentos es muy importante para mí, ya que me ha hechodescubrir una música que siempre había estado a mí lado pero que, por motivosque desconozco, he tardado en disfrutar plenamente y de captar todos losmatices y maravillas que encierra esta ópera.

Massenet apunta ya en ella unos tímidos “leimotiven”, hilosconductores de la obra que más tarde desarrollaría Wagner, con una grandimensión, en sus obras.

Pappano capta a la perfección la obra massenetiana. Dejabrillar a la orquesta, y acompaña sigilosamente a los cantantes. Y aprieta con volumendonde puede apretar convirtiéndose en un perfecto aliado de los cantantes.

Gran Charlotte la de SOPHIEKOCH, la cual ya tenía presente de la grabación de París con Kaufmann. Sibien allí ya deja entrever toda su fuerza y dulzura en este personaje,escucharla en directo es realmente impresionante. La Sra. Koch tiene un volumenmuy considerable aunque por televisión, no me daba esa sensación al lado delvozarrón de Kaufmann, aún así, nunca se vio ahogada por la voz del alemán.

Sin lugar a dudas, Sophie Koch es una de las grandes intérpretes,actualmente en este papel, personaje que ya le ha hecho cosechar más de un éxitoa nivel internacional, como el obtenido recientemente en Madrid.

Su Charlotte es impenetrable. Deja sufrir a Werther y surostro ni se inmuta. Su canto al lado de Werther es gélido, a pesar que arde deamor por él, y su voz sabe encontrar ese equilibrio que la hace impenetrable alos ojos de Werther. Ninguna nota traiciona su sentido del deber, nunca se dejallevar por la pasión que siente por Werther,hasta el último acto, cuando le declara su amor.

Grande su escena de la lectura de las cartas. Estremecedoraen su personaje, dando una expresividad sumamentesuperior a la ofrecida en París, aunque debo decir que la televisión a vecesengaña y hace inapreciables esos pequeños detalles que se captan tan bien en elteatro y no en el sofá de casa.

Brava Sophie Koch, una gran dama dentro y fuera delescenario.

Pero lo más interesante de esta función era ver a ROLANDO VILLAZÓN en su regreso alcoliseo londinense, con un papel que psicológicamente está a años luz deltemperamento del cual hace gala el mexicano en todo momento.

Werther es un personaje sufrido y torturado que sololloriquea ante Charlotte. Introvertido y profundamente infeliz por propia voluntad.Ama con desenfreno, y es correspondido, pero la consumación de ese amor esimposible. Es consciente de ello, pero aún así no claudica.

Las leyes del romanticismo y del equilibrio, el deber y elsacrificio se imponen una y otra vez, yel destino, inexorable, separa a los dos enamorados.

El Werther de Rolando es pasional, la sangre hierve en susvenas. Sus movimientos iniciales son puramente (y esforzadamente) románticos,comedidos, pensados con razón y no con el corazón.

A medida que avanza la obra, sobretodo en el segundo acto,su canto se torna ardiente y apasionado, tiene que luchar contra el personajeintimista, que le pesa, para abrir su canto al amante deseoso y debocado quecontiene una pasión enfermiza por aquella mujer.

La voluptuosidad de su canto mata al héroe romántico yaparece un Werther rayando el verismo: su canto respira totalmente pasión porlos cuatro costados.

Su Werther rodea a Charlotte con sus brazos, se abalanzasobre ella en un impulso incontrolable, y le roba un beso ya en el segundoacto. Y en el tercero se lanza literalmente sobre Charlotte en la más puradecalración de una pasión que tiene que controlar. Y sufre... sufredesesperadamente y eso lo plasma en un canto que le induce casi al llanto, aldesespero.

Resbaló Rolando en el tercer acto y rodó por el suelo en unaescena que quedó al natural. “Rien” – dice Werther (y Rolando, también, que no se hizo daño grácias a Dios). Charlottese ha escondido y Werther clama a la naturaleza que ya puede abrirse su tumba.Está dispuesto a morir de amor, resignado, apareciendo de nuevo el personajeromántico que, de un tiro, se suicida por amor.

Su suicidio es plano, no da la sensación de angústia ni de éxtasisen ese momento supremo y que otros cantantes logran en esta escena, a míparecer.

Respecto a la voz, decir que, ya lo noté en el concierto deBarcelona hace un mes, más o menos, la voz de Rolando ha perdido brillo pero noha perdido las notas que continúan estando allí.

Pasado un perqueñísimo desjuste en su entrada, bordó elpersonaje dando como siempre más del 100% en el escenario inundando a todos suscolegas con su enería y alegría.

El Rolando de ahora canta más mesurado, no tan desbocadocomo años ha, más concentrado y su visión más “verista” del personaje la cualno me desagrada en absoluto la borda, pues no me imaginaría a alguien comoRolando Villazón haciendo un Werther puramente romántico, mesurado.

Sin duda, no. Rolando necesita expresar toda su pasión conel canto, con el gesto, con su cuerpo y plasma lo que podríamos llamar un “anti-Werther”,opuesto al original que marca el personaje dotándolo de personalidad propia, deuna personalidad latina alejándose de la frialdad romántica y alemana del role.

Sin duda un gran “Werther” el de Rolando. Su voz bella ybien timbrada (símbolo de identidad del mexicano) inundó la sala del CoventGarden.

Mí primer Covent Garden.

ERI NAKAMURA y AUDUNIVERSEN cumplieron correctamente en sus respectivos papeles de Sophie yAlbert, sin destacar.

Colapsada la salida de artistas, llena de gente aguardandola salida del tenor. Tres cuartos de hora tardó Rolando en salir y para todostuvo un gesto amable, una sonrisa, un momento.

La generosidad de la persona es aún superior a la grandezadel artista.

Grácias Rolando.

Mi primera ópera en el Covent Garden

2011-05-10T10:03:00.000-07:00

Había llorado en la ópera. Me había emocionado conla música de Puccini, de Verdi, de Wagner y de tantos otros muchoscompositores. Mís ojos se habían llenado de lágrimas al ver el cariño que elpúblico es capaz de transmitirle a un intérprete, pero nunca en la vida habíallorado en un teatro –que anhelaba pisar- nada más entrar y ver su inmensidad.

Y pensar que en Covent Garden se han representadoóperas, muchas de las cuales figuran entre mís versiones preferidas: “Otello”,“Manon Lescaut”, “Les Contes de Hoffmann”…

La Royal Opera House (R.O.H) está considerada comouno de los cuatro teatros más importantes del mundo, junto al MET, la Scala yla Staatsoper de Viena. Un teatro que he visto infinidades de veces en latelevisión y del que siempre decía: “Un día estaré allí, un día pisaré esteteatro”.

Se cumplió este fin de semana otro de mis sueñosmusicales. Por fin he conocido el Covent Garden.

Ubicado en una zona inmejorable, peatonal casi casial 100%, flanqueado por el mercado lleno de gentes, de colores, derestaurantes, de todo… Allí se palpa un ambiente especial, y sin embargo, elCovent Garden parece que se oculte del gentío y algarabía de la que hace galala plaza que lleva el mismo nombre.

Contrasta, no obstante, la zona moderna con laadoquinada plaza. Una puerta giratoria por la cual se accede a las taquillasdel teatro ubicada en plena plaza adoquinada del Londres antiguo, del Londresde “My Fair Lady”.

Sin embargo entras en el recinto y encuentras laalta tecnología: la tienda de la R.O.H provista de una pantalla plana en la queproyectan ópera o ballet, músicas, ambas, que se escuchan desde la callegrácias a dos altavoces que están situados justo encima de la puerta giratoria.

Dentro del teatro, los constrastes se hacen igualde patentes: la sobriedad y tradiciones inglesas combinadas con la modernidaddel s. XXI.

Los pasillos están forrados de madera y enmoquetados, las paredesllenas de fotografías de los intérpretes que a lo largode los años han ido desfilando por el coliseo londinense dejando escuchar allísus voces: Joan Sutherland, Kiri Te Kanawa, Angela Gheorghiu Plácido Domingo,José Carreras, Luciano Pavarotti… y tantos más… todo hecho a la antigua usanza.

E incluso dentro de la sala: palcos a la antigua demadera oscura, y salidas con escaleras laterales en platea, con ausencia depalco real en un país eminentemente monárquico.

La sensación de sopresa y admiración es grande unavez entras en la sala. No es quizás uno de los coliseos más bellos, si secompara con el Liceu o con la Scala e incluso con la Fenice de Venecia, pero elCovent Garden tiene algo especial.

Tampoco creo que sea más grande que otros teatros,pero tiene una aura especial, algo que le da un encanto único y hace que seauno de los teatros que todos los aficionados a la ópera deseamos pisar algúndía.

Sin lugar a dudas, el Covent Garden es un lugar deperegrinación para todos aquellos que amamos la ópera. Ya lo he pisado, lo he vividoy lo he sentido. La ópera escogida fue “Werther” de Massenet interpretada por RolandoVillazón y Sophie Koch, de la cual hablo en el siguiente post.