viernes, 30 de diciembre de 2011

Una "Tosca" de alto voltaje

Me permitiréis que esta entrada la haya escrito en mi lengua materna, cosa que no acostumbro a hacer, pero en las circunstancias en que está escrita, no podia hacerlo de otra manera. Para aquellos que no entiendan el catalán les dejo la traducción debajo.



Eren moltes les ganes que tenia de veure aquesta ”Tosca”.

Aquesta òpera, “Tosca”, ha estat, i és, sense cap mena de dubte una de les meves òperes preferides, una d´aquelles que, si hipotèticament hagués d´endur-me a una illa deserta, ocuparia, junt amb l´”Otello” un lloc ben destacat.

Per la seva inspirada música, però també per l´argument, així com pel seu fantàstic llibret, que no precisa – al meu gust- cap retallada, “Tosca” s´erigeix en una de les òperes cabdals i més estimades de tota la història de la composició operística arreu del món.

La “Tosca” no cansa mai, sempre ve de gust, i si com en aquest cas, tenim la gran sort de comptar amb uns excel.lents intèrprets, fa que per vegades que l´haguem vist i escoltat, susciti en nosaltres el suficient interès com per endinsar-nos una altra vegada a la Roma del 1800 de mans del Cavaradossi, la Tosca i el terrorífic Scarpia.

Que afortunada i privilegiada em sento de poder gaudir d´aquesta música que estimo tant, i ara (cinc anys enrere no era de la mateixa opinió) lluny de pensar que l´òpera es mor, m´alegra veure que van sorgint intèrprets que, gràcies a Déu, no m´han donat la raó perquè les seves interpretacions són genials. I això per mi, és un gran motiu d´alegria.

I el que m´és m´entusiasma és ser capaç de trobar en aquestes noves interpretacions allò que sempre he defensat i he trobat en altres execucions, perquè així sempre m´ho han donat els cantants que més admiro: cant unit a la interpretació, capacitat de domini de les palaures junt amb l´expressió i veracitat dalt d´un escenari.

En una etapa operística on tot, menys les veus, semblen tenir més protagonisme (donem-ne les gràcies a la tirania dels directors d´escena) és sorprenent trobar intèrprets que són capaços – tal i com sempre havia estat amb cantants de generacions anteriors- de posar-te “dins de l´òpera” on tot gira, afortunadament, entorn a la música.
I això, avui en dia, només es pot aconseguir tenint un gran repart, però també a un director d´orquesta amb cara i ulls que sigui capaç de fer entendre als seus cantants allò que el public espera (o hauria d´esperar) quan s´enfronten a una òpera com la “Tosca”.

Aquesta “Tosca” té tots els ets i uts per ser cridada a convertir-se en un dels “hits” més importants, operísticament parlant, de l´any 2011.
I com no podia ser d´altra manera, com ve succeïnt desde fa uns anys, si vols veure una bona òpera t´has de desplaçar a Londres, al Covent Garden, teatre en el qual es va representar aquesta “Tosca” amb un triplet – potser hauria de dir quartet” molt cotitzat actualment: Gheorghiu- Kaufmann-Terfel, tots tres sota la direcció de l´Antonio Pappano, que no hi espatlla res, ans al contrari.

PAPPANO és una peça fonamental per aconseguir que aquesta “Tosca” sigui del tot ben rodona.
Sempre m´ha agradat perquè copsa a la perfecció l´esperit puccinià. La seva orquestra creix en volum quan ho ha de fer, i decreix i es suavitza quan així li reclama Puccini.
Puccini troba en la batuta de Pappano allò que ell hauria volgut, aliat perfecte.
El seu tractament del “tempo” és absolutament genial, sobretot en l´interrogatori en que Scarpia sotmet a Cavaradossi. Aquell canvi de “tempo” com si ambdós estessin parlant més amb to de sorna que no pas de serietat és absolutament extraordinari i Pappano sempre acompanya a l´intèrpret, deixa que aquest sigui el protagonista i fa gala expressa de que el protagonista és el cantant i no ell.

Només si hagués de posar un “però” en aquesta funció seria l´escenografia del tercer acte (de Jonathan Kent) que és força austera i amb una gran mancança d´elements corpòris que ens indiquin que estan a la presó del Castel Sant´Angelo. Però és l´únic “però”, ja que en els demés actes la posta en escena és correcte.
Per una banda, per mi, el millor decorat correspondria al segon acte, on trobo – més o menys, la idea d´una “Tosca” més convecional - i, per un altre costat, en el primer acte, sense ser una església tradicional, ens situa dins d´un recinte que vol assemblar-s´hi.

No era la primera vegada que escoltava la “Tosca” a cap dels tres intèrprets principals, però mai els hi havia sentit junts en una mateixa funció, on els tres en van sortir victoriosos i amb un munt d´aplaudiments individuals.

És una d´aquelles representacions on tot funciona, i a més tots tres estàn creïbles en els seus respectius personatges: dos amants joves que fan patxoca, i un Scarpia àvid de luxúria, brut, i que no perd la compostura fins quasi bé al ben mig del segon acte quan comença a grapejar a la Tosca.
I a més, la química entre els intèrprets és més que notoria: sigui Gheorghiu-Kaufmann; o Gheorghiu-Terfel o Kaufmann-Terfel. I això encara ajuda més a fer veraç la història i a arrodonir una millor interpretació escènica.


Fantàsica – al meu gust- l´ANGELA GHEORGHIU una de les veus de soprano que més estimo: per color de veu i pel seu timbre inconfundible i per la seva manera d´expressar.
La “Tosca” de l´Angela amb el Kaufmann, és diferenta de la “Tosca” que va fer amb el Roberto Alagna.
Mentres que en la segona té moments d´histerisme, en aquesta darrera del Covent Garden trobo que ha rodat molt bé el seu personatge, que està a cavall entre una Tosca més noble i inclús més juvenil que en la gravació d´EMI.
La seva línea de cant m´enamora i la seva credibilitat escènica és realment sensacional. Ella diu que la “Tosca” li encanta perquè s´interpreta a sí mateixa: potser si, i ella ho deu saber millor que ningú.

Gràcies a Déu, no cau en l´error – com moltes han fet- de mostrar una gelosia malaltissa.
Sí, la seva Tosca és “molta Tosca”, però un xic més serena interpretativament parlant i només cal veure l´escena en que l´Scarpia escriu el salvaconducte: ella agafa el llaç vermell del qual Scarpia s´ha apoderat al primer acte, i enmig d´una inmensa serenitat, veu el ganivet, i en aquell moment decideix matar-lo.
Sense soroll, sense crits, sense exageració... És la culminació d´una escena de tensió que l´allibera, que creu que la fa més forta del que es pensa ser, però en el fons, continua sent una ingènua.

La Tosca de la Gheorghiu juga amb el Cavaradossi amb gestos, amb mirades molt còmplices. És en el fons una nena que no ha madurat i insegura de si mateixa (sino no tindria tants gelos). Per això en veure que el Mario li segueix la corrent, li plau i s´infla, i intenta fer-li veure que és més forta que ell –perquè en el fons creu que és així-, i que la que porta el pes de la relació és ella, quan en realitat el Cavaradossi sempre deixa fer.

Què dir del seu “Vissi d´arte”, per mi excepcional com excepcional són les frases que ens regala en el duet del primer acte. És un gran personatge i ella ho sap i l´explota.



Era la quarta versió que sentia del Cavaradossi en la veu del JONAS KAUFMANN. Per ser sincera les primeres que li vaig escoltar no em van agradar gens (Metropolitan i Munich), però va ser gràcies al DVD amb Emilie Maggie que em va començar a convèncer el seu Mario.
La seva interpretació m´agrada malgrat que sempre he dit que li manca per aquest personatge (i pels personatges italians, en general) el punt de dolçor del meu Mario per excel.lència, clar està que aquest tenor és el Plácido Domingo.

El Jonas dibuixa un altre tipus de personatge sense caure en el tòpic d´imitar a altres grans Marios del passat. La seva imatge de galan jove és idònea en el primer acte quan segueix el joc a la Tosca.
Però ell no deixa de ser mai un home compromès que sap amagar perfectament – davant d´ella – tota mena de preocupacions, evidentment en el primer acte quan amaga a Angelotti, però també especialment en el darrer quan, mentre la Tosca li explica que ja ha agafat or i joies, i que tenen un carruatge a punt per fugir de Roma.

En aquest moment veiem de debò a Cavaradossi, que es queda encantat mirant-la amb mig somriure als llavis i movent el cap subtilment en un moviment de clara negació: sap que per ell no hi haurà un demà, però no li trenca la il.lusió a la Tosca per no esberar-la i deixa fer una vegada més.
La desesperació final, quan amanillat de nou s´apropa efusivament a la Tosca cercant el darrer petó delata per primera vegada , envers la Tosca, la seva por, en una acció que ella no acaba d´entendre. Per què aquella desesperació si l´afusellament és de broma?

El Jonas ens regala moments molt bons en aquesta gravació, però un dels millors és en el tercer acte quan canta “Liberi”. No sabria definir ben bé aquest moment amb paraules (és un “Liberi” de resignació, d´incredulitat) i tampoc sóc capaç de reproduir-ho – cantan-t´ho jo- donat que tinc l´orella entrenada a un altre manera de dir aquest “Liberi”, però són aquests petits detalls el que fa grans a aquests intèrprets i que ens enriqueixen com a oients.

Vocalmentment parlant, m´esperava més en el seu “Vitoria, Vitoria”, potser un xic més de brillantor en la veu, en canvi, fent balanç de tots els “E lucevan le stelle” que li he sentit, probablement el del Covent Garden hagi estat el millor.
Frases allargades, fiato més que suficient i amb una clara diferenciació entre les dues estrofes de l´ària: primer rememorant els seus encontres amb la Tosca, les seves abraçades i els seus petons, i d´altra banda la desesperació de l´home que veu desmoronar-se tot el que l´envolta i fa un darrer intent per aferrar-se a la vida, que mai ha estimat tant fins que és conscient que l´ha perdut.
Sí, l´ha perdut ja des del primer acte quan amaga a Angelotti i també des del moment en que ha entrat detingut, en el segon acte, pels esbirros de l´Scarpia.




A l´igual que deia quan parlava de l´Angela, el Jonas és també un intèrpret creïble i que fa veraç l´acció, a més està en plena forma física: puja i baixa les escales com un fuet i a sobre corrent, i cantant per si fos poc.
I una altra vegada destacar la immensa complicitat que hi ha entre ells dos, que és d´agraïr.

Sobre el tema que sempre surt quan es parla de les interpretacions del Jonas: que si engola, que si no engola... amb això no m´hi poso donat que en aquest tema no puc discutir, doncs desconec la tècnica el cant. El que sí que puc dir és que a mi m´encanta aquests canvis de color que fa la seva veu i que el fa per mi, un artista especial.



El que guanya en aquesta grabació, respecte a l´audio que ja vaig escoltar en el seu moment, és sens dubte l´Scarpia del BRYN TERFEL.
El Terfel no té la veu tant maca com el Ruggero Raimondi,  o no li trobo la noblesa d´un un Cornel MacNeil, però proposa un gran Scarpia.

Terrorífic, fastigosament desagradable, luxoriós i malvat. És un voltor a la caça de la seva presa, i a més a més, la seva figura – gegantesca- li proporciona tota la credibilitat al seu personatge.
I sí, potser em convenç més com a actor que vocalment parlant.

Recordo que quan la vaig escoltar no em va acabar de fer el pes la seva veu, per mi li faltava més rotonditat i potser més volum. La seva veu m´arribaba a través de la ràdio més esclarissada i xocava de ple amb els meus Scarpies de referència. Malgrat això, en visió m´ha encantat i de fet, quan està ell en escena, acapara tota l´atenció.
I no és per menys, l´Scarpia sens dubte és un paper bombó pel baríton, i un dels malvats més estimats pel públic.

El que em fa més feliç d´aquesta “Tosca” és el fet de que hi he trobat un foc nou i que ha conseguit entusiasmar-me una altra vegada sense haver de recórrer a les “velles glòries”, ja que de les darreres Tosques vistes i escoltades millor ni parlar-ne.
De fet, una grabació altíssimament recomanable, vocal i escènicament que vaig tenir la gran sort de poder gaudir gràcies a la generositat de l´autor del Blog “In Fernem Land”, al que li estic enormement agraïda.

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Traducción:

Eran muchas las ganas que tenía de ver esta "Tosca".



Esta ópera, "Tosca", ha sido, y es, sin lugar a dudas una de mis óperas favoritas, una de aquellas que, si hipotéticamente tuviera que llevarme a una isla desierta, ocuparía, junto con el "Otello" un lugar bien destacado.
Por su inspirada música, pero también por el argumento, así como por su fantástico libreto, que no precisa - a mi gusto- ningún recorte, "Tosca" se erige en una de las óperas caudales y más queridas de toda la historia de la composición operística en todo el mundo.
"Tosca" no cansa nunca, siempre apetece, y si como en este caso, tenemos la gran suerte de contar con unos excelentes intérpretes, hace que por veces que lo hayamos visto y oído, suscite en nosotros el suficiente
interés como para adentrarnos de nuevo en la Roma de 1800 de manos de Cavaradossi, de Tosca y del terrorífico Scarpia.
Que afortunada y privilegiada me siento de poder disfrutar de esta música que amo tanto, y ahora (cinco años atrás no era de la misma opinión) lejos de pensar que la ópera se muere, me alegra ver que van surgiendo intérpretes que, gracias a Dios, no me han dado la razón porque sus interpretaciones son geniales.
Y eso para mí, es un gran motivo de alegría.
Y lo que me me entusiasma es ser capaz de encontrar en estas nuevas interpretaciones lo que siempre he defendido y he encontrado en otras ejecuciones, porque así siempre me han dado los cantantes que más admiro: canto unido a la interpretación,
capacidad de dominio de las palabras junto con la expresión y veracidad en un escenario.
En una etapa operística en que todo, menos las voces, parecen tener más protagonismo (demos las gracias a la tiranía de los directores de escena) es sorprendente encontrar intérpretes que son capaces - tal y como siempre había estado con cantantes de generaciones anteriores-
de ponerte "dentro de la ópera" donde todo gira, afortunadamente, en torno a la música.Y eso, hoy en día, sólo se puede conseguir teniendo un gran reparto, pero también a un director de orquesta con cara y ojos que sea capaz de hacer entender a sus cantantes lo que el público espera (o debería esperar) cuando se enfrentan a una ópera como la "Tosca".
Esta "Tosca" tiene todos los elementos para convertirse en uno de los "hits" más importantes, operísticamente hablando, del año 2011.Y como no podía ser de otra manera, como viene sucediendo desde hace unos años, si quieres ver una buena ópera tienes que desplazarte en Londres, al Covent Garden, teatro en el que se representó esta "Tosca" con un triplete - tal vez debería decir cuarteto "muy cotizado actualmente: Gheorghiu-Kaufmann-Terfel, los tres bajo la dirección de Antonio Pappano, que no estropea nada, al contrario.
PAPPANO es una pieza fundamental para conseguir que esta "Tosca" sea del todo bien redonda.Siempre me ha gustado porque capta a la perfección el espíritu pucciniano. Su orquesta crece en volumen cuando debe hacerlo, y decrece y se suaviza cuando así le reclama Puccini.Puccini encuentra en la batuta de Pappano lo que él hubiera querido, un aliado perfecto.Su tratamiento del "tempo" es absolutamente genial, sobre todo en el interrogatorio al que Scarpia somete a Cavaradossi. Aquel cambio de "tempo" como si ambos estuvieran hablando más con tono de sorna que de seriedad es absolutamente extraordinario y Pappano siempre acompaña al intérprete, deja que éste sea el protagonista y hace gala expresa de que el protagonista es el cantante y no él.
Sólo si tuviera que poner un "pero" en esta función sería la escenografía del tercer acto (de Jonathan Kent) que es bastante austera y con una gran carencia de elementos corpóreos que nos indiquen que están en la cárcel del Castel Sant'Angelo .
Pero es el único "pero", ya que en los demás actos la puesta en escena es correcta.Por un lado, para mí, el mejor decorado correspondería al segundo acto, donde encuentro - más o menos, la idea de una "Tosca" más convecional - y, por otro lado, en el primer acto, sin ser una iglesia tradicional , nos sitúa dentro de un recinto que quiere parecerse.
No era la primera vez que escuchaba la "Tosca" a los tres intérpretes principales, pero nunca los había escuchado juntos en una misma función, donde los tres salieron victoriosos y con un montón de aplausos individuales.
Es una de esas representaciones donde todo funciona, y además los tres están creíbles en sus respectivos personajes: dos amantes jóvenes y guapos, y un Scarpia ávido de lujuria, sucio, y que no pierde la compostura hasta casi en medio
del segundo acto cuando empieza a manosear a  Tosca.Y además, la química entre los intérpretes es más que notoria: sea Gheorghiu-Kaufmann, o Gheorghiu-Terfel o Kaufmann-Terfel. Y eso todavía ayuda más a hacer veraz la historia y redondear una mejor interpretación escénica.
Fantàsica - a mi gusto- ANGELA GHEORGHIU una de las voces de soprano que más amo: por color de voz y por su timbre inconfundible y por su manera de expresar.La "Tosca" de Angela con Kaufmann, es distinta de la "Tosca" que hizo con el Roberto Alagna.Mientras que en la segunda tiene momentos de histerismo, en esta última del Covent Garden creo que ha rodado muy bien su personaje, que está a caballo entre una Tosca más noble e incluso más juvenil que en la grabación de EMI.Su línea de canto me enamora y su credibilidad escénica es realmente sensacional. Ella dice que  "Tosca" le encanta porque se interpreta a sí misma: tal vez si, y ella lo debe saber mejor que nadie.
Gracias a Dios, no cae en el error - como muchas han hecho-de mostrar una celosía enfermiza.Sí, su Tosca es "mucha Tosca", pero un poco más serena interpretativamente hablando y sólo hay que ver la escena en que Scarpia escribe el salvoconducto: ella coge el lazo rojo del que Scarpia se ha apoderado en el primer acto, y en medio de una inmensa serenidad, ve el cuchillo, y en ese momento decide matarlo.Sin ruido, sin gritos, sin exageración ... Es la culminación de una escena de tensión que la libera, que cree que la hace más fuerte de lo que se piensa ser, pero en el fondo, sigue siendo una ingenua.
La Tosca de la Gheorghiu juega con el Cavaradossi con gestos, con miradas muy cómplices. Es en el fondo una niña que no ha madurado e insegura de sí misma (sino no tendría tantos celos). Por eso al ver que Mario le sigue la corriente, la hace feliz, e intenta hacerle ver que es más fuerte que él -porque en el fondo cree que es así-, y que la que lleva el peso de la
relación es ella, cuando en realidad es Cavaradossi , que siempre deja hacer.
Qué decir de su "Vissi de arte", para mí excepcional como excepcional son las frases que nos regala en el dúo del primer acto.
Es un gran personaje y ella lo sabe y lo explota.
Era la cuarta versión que sentía de Cavaradossi en la voz del JONAS KAUFMANN.
Para ser sincera las primeras que se lo escuché no me gustaron nada (Metropolitan y Munich), pero fue gracias al DVD con Emilie Maggie que me empezó a convencer su Mario.Su interpretación me gusta aunque siempre he dicho que le falta por este personaje (y  para los personajes italianos, en general) el punto de dulzura de mi Mario por excelencia, claro está que este tenor es el Plácido Domingo.
Jonas dibuja otro tipo de personaje sin caer en el tópico de imitar a otros grandes Marios del pasado.
Su imagen de galán joven es idónea en el primer acto cuando sigue el juego a la Tosca.Pero él no deja de ser un hombre comprometido que sabe esconder perfectamente - delante de ella - todo tipo de preocupaciones, evidentemente en el primer acto cuando esconde a Angelotti, pero también especialmente en el último cuando, mientras la Tosca le explica que ya ha cogido oro y joyas, y que tienen un carruaje a punto para huir de Roma.
En este momento vemos al verdadero Cavaradossi, que  queda encantado mirándola con media sonrisa en los labios y moviendo la cabeza sutilmente en un movimiento de clara negación: sabe que para él no habrá un mañana, pero no le rompe la ilusión.
alusión a la Tosca para no alterarla y deja hacer una vez más.La desesperación final, cuando esposado de nuevo se acerca efusivamente la Tosca buscando el último beso delata por primera vez, enverso Tosca, su miedo, en una acción que ella no acaba de entender. ¿Por qué esa desesperación si el fusilamiento es de broma?
Jonas nos regala momentos muy buenos en esta grabación, pero uno de los mejores es en el tercer acto cuando canta "Liberi". No sabría definir muy bien este momento con palabras (es un "Liberi" de resignación, de incredulidad) y tampoco soy capaz de reproducirlo - cantándolo yo- dado que tengo el oido entrenadao a otro modo de
decir este "Liberi", pero son estos pequeños detalles lo que hace grandes a estos intérpretes y que nos enriquecen como oyentes.
Vocalmentmente hablando, me esperaba más en su "Vitoria, Vitoria", quizás un poco más de brillo en la voz, en cambio, haciendo balance de todos los "E lucevan le stelle" que le he oído, probablemente el del Covent Garden
haya sido el mejor.Frases alargadas, fiato más que suficiente y con una clara diferenciación entre las dos estrofas del aria: primero rememorando sus encuentros con la Tosca, sus abrazos y sus besos, y por otro lado la desesperación del hombre que ve desmoronarse a todo lo que le rodea y hace un último intento por aferrarse a la vida, que nunca ha amado tanto hasta que es consciente de que la ha perdido.Sí, la ha perdido ya desde el primer acto cuando esconde a Angelotti y también desde el momento en que ha entrado detenido, en el segundo acto, por los esbirros del Scarpia.
Al igual que decía cuando hablaba de la Angela, Jonas es también un intérprete creíble y que hace veraz la acción, además está en plena forma física: sube y baja las escaleras como un látigo y encima corriendo, y cantando
por si fuera poco.Y otra vez destacar la inmensa complicidad que hay entre ellos dos, que es de agradecer.
Sobre el tema que siempre sale cuando se habla de las interpretaciones de Jonas: que si engola, que si no engola ... con esto no me pongo ya que en este tema no puedo discutir, pues desconozco la técnica el canto.
Lo que sí puedo decir es que a mí me encanta estos cambios de color que hace su voz y que para mí lo hace un artista especial.
Lo que gana en esta grabación, respecto al audio que ya escuché en su momento, es sin duda el Scarpia del BRYN TERFEL.Terfel no tiene la voz tan bonita como el Ruggero Raimondi, o no le encuentro la nobleza de un un Cornel MacNeil, pero propone un gran Scarpia.
Terrorífico, asquerosamente desagradable, lujorioso y malvado.
Es un buitre a la caza de su presa, y además, su figura - gigantesca- le proporciona toda la credibilidad a su personaje.Y sí, tal vez me convence más como actor que vocalmente hablando.
Recuerdo que cuando la escuché no me terminó de convencer su voz, para mí le faltaba más rotundidad y quizás más volumen. Su voz me llegaba a través de la radio más velada y chocaba de lleno con mis Scarpia de referencia.
Sin embargo, en visión me ha encantado y de hecho, cuando está él en escena, acapara toda la atención.Y no es para menos, Scarpia sin duda es un papel bombón por el barítono, y uno de los malvados más queridos por el público.
Lo que me hace más feliz de esta "Tosca" es el hecho de que he encontrado un fuego nuevo y que ha conseguido entusiasmarme de nuevo sin tener que recurrir a las "viejas glorias", ya que de las últimas Toscas
vistas y escuchadas mejor ni hablar.
De hecho, una grabación altísimamente recomendable, vocal y escénicamente que tuve la gran suerte de poder disfrutar gracias a la generosidad del autor del Blog "In Fernerm Land", al que le estoy enormemente agradecida.
 

Plácido despide el año en Nueva York participando en "La isla encantada"

Mañana, día 31 de diciembre, mientra medio mundo ya habrá recibido el año nuevo,  Plácido Domingo estrenará una nueva ópera en el Metropolitan de Nueva York: "The Enchanted Island" interpretando el papel de Neptuno.




En un nuevo trabajo en el cual los amantes de la ópera barroca lo tienen todo: los mejores cantantes del mundo, la música gloriosa de los maestros del barroco, y una historia procedente de Shakespeare.

En la Isla del Encantada, los amantes de Shakespeare  en "El Sueño de una noche de verano" son náufragos en otro mundo, la isla de La tempestad . Inspirado por los pastiches musicales y máscaras del siglo 18, la obra presenta arias  de Haendel, Vivaldi, Rameau, y otros, y un libreto nuevo de Sams Jeremy.

Edirector de orquesta William Christie dirige un elenco de estrellas con David Daniels (Próspero) y Joyce DiDonato (Sycorax) como enemigos formidables, Plácido Domingo como Neptuno, Danielle de Niese como Ariel y Calibán como Luca Pisaroni. Lisette Oropesa y Anthony Roth Costanzo jugar Miranda y Fernando. La impactante producción está dirigida y diseñada por Phelim McDermott y Julian Crouch.

sábado, 24 de diciembre de 2011

Es tiempo de vivir en paz, es tiempo de brindar...

Carta Nevada esta Navidad... es lo que sigue a este título, tal y como en 1984 lo cantó Plácido Domingo junto a Ana Obregón.

Con ellos va mi felicitación para todos para estas fiestas tan entrañables.





Feliz Navidad a todos.

viernes, 23 de diciembre de 2011

La nit de nadal és nit d´alegria

O lo que es su equivalente en castellano: "La noche de navidad es noche de alegría..."

Esta es una de las frases con las que empieza una típica obra de teatro que se representa, como cada año, durante las fiestas de navidad y que es de arraigada tradición en Cataluña.
Me estoy refiriendo claro está a "Els Pastorets" de Josep Mª Folch i Torres.

El equivalente a la Nochebuena es en Catalunya "la nit de nadal" la cual y no se celebra, a diferencia del resto de España. Almenos no de la misma manera, ya que es más importante la festividad del día 26, "Sant Esteve", festivo en toda Cataluña.

Tenemos la navida a la vuelta de la esquina y mañana es Nochebuena.

El olor de la navidad se respira por las calles y las noches del recién estrenado invierno huelen de forma especial: hay algo en su aire de delatan estas fiestas.



Algunas de las óperas más queridas por el público hablan en algún momento de la navidad, como en "La bohème": Rodolfo y Mimì, junto con los amigos de éste van a celebrar "la vigilia di natale" al Cafè Momus. El aire de las calles parisinas en el Barrio Latino huele a buñuelos.

Pero también en "Werther" todo respira a navidad: los villancicos que los hermanos perqueños de Charlotte entonan ya, en el mes de julio, hasta la fatídica nochebuena en que Werther decide suicidarse.
La música del cambio de acto sugiere el viento gélido de la noche y la nieve que cubre las calles. Werther agoniza mientras los niños entonan de nuevo su villancico. Las últimas palabras que pronuncia el personaje en este momento son estremecedoras:

WERTHER
Là-bas au fond du cimetière,
il est deux grands tilleuls! c'est là que pour
toujours je voudrais reposer!
Si cela
m'était refusé... si la terre
chrétienne est interdite au corps
d'un malheureux,
près du chemin
ou dans le vallon solitaire
allez placer ma tombe!
En détournant les yeux
le prêtre passera...
Mais, à la dérobée,
quelque femme viendra visiter le banni...
et d'une douce larme, en son ombre tombée
le mort, le pauvre mort... se sentira béni...

WERTHER
¡Ahí abajo, en medio del cementerio,
hay dos tilos! ¡Ahí es donde quiero
descansar para siempre!
Si ahí se me rechazara...
si la tierra cristiana
se prohibiese al cuerpo
de un desgraciado,
al lado del camino,
o en el valle solitario,
emplaza mi tumba...
y volviendo los ojos
el sacerdote pasará ...
Si por casualidad una mujer
viniese a visitar la tumba,
el pobre muerto se sentirá bendecido
por alguna lágrima caída a su sombra. 
Para mí es muy especial precisamente este momento de la obra, pero aunque sea uno de los momentos más tristes de la misma me gusta recordarlo cada año.

lunes, 12 de diciembre de 2011

Con este ya van 16 años


Exactamente hoy hace 16 años que escuché por primera vez, en directo, a Plácido Domingo. Una fecha que recuerdo todos los años, sin excepción.
Y una de las piezas que le escuhé fue "Bella enamorada" de la zarzuela "El último romántico" de Soutullo y Vert:




Pero también descubrí en este concierto la ópera "Faust"... y como en esta semana hemos estado bastante "enfaustados" debido a las representaciones que se ofrecen estos días en el Metropolitan Opera, escuchemos a Plácido Domingo en el fantástico dueto de amor del tercer acto:


miércoles, 7 de diciembre de 2011

Jonas Kaufmann vende su alma al diablo en Nueva York

Sin duda es uno de los acontecimientos operísticos más importantes de este final de año 2011: el "Faust" que el tenor alemán Jonas Kaufmann interpreta en el Metropolitan de Nueva York.



Los más afortunados, ya lo han podido disfrutar en directo. Otros, están a la espera de la retransmisión en los cines de este sábado día 10.
Los más impacientes, ya la hemos escuchado soñando cómo debe ser la producción y disfrutanto de la voz de Jonas, porque hasta que no salga en DVD tendremos que conformarnos con los fragmentos que ya circulan en youtube.

Viéndolos, aún me dan más ganas de ver este "Faust"...


Jonas Kaufmann aborda, junto a un excelente René Pape y la soprano Marina Poplavskaya (tenía que ser Angela Gheorghiu) el papel de Doctor Faust, una obra que, aparentemente por timbre de voz se aleja de la idea que todos tenemos del Faust.


Su voz oscura (que le va que no pintada para el viejo Faust) se aclara cuando el personaje se transforma, y los detalles de fraseo son notorios a lo largo de toda la representación: agudos seguros y brillantes que culminan en un final de "Salut demere..." encantador, a plena voz.

Quizás fue en este momento de la obra donde menos me gustó Jonas, pero está sublime en el dueto de amor con Margarita. El tempo, lento. Y Jonas, suave, muy suave casi como si estuviera cantando al oido de Margarita. Una interpretación digna de ser escuchada.



Así es que deseo que los que acudan el sábado en directo al teatro lo pasen tan bien como los que vayan al cine... que los que no podremos disfrutarla ni de una manera ni de otra, nos conformaremos con la retransmisión por la radio.

lunes, 5 de diciembre de 2011

Plácido solidario

Efectivamente, Plácido Domingo es uno de los famosos que ha prestado su imagen más solidaria para la Fundación Talita junto a niños y jóvenes con sindrome de Down.
El tenor, junto a persoajes como Eugenia Martínez de Irujo, el futbolista Leo Messi, Carlos Sobera, Noa o el jugador de basquet Juan Carlos Navarro, protagonizan junto a estos niños la cara más tierna de la navidad.

Junto con la revista "Hola", la Fundación Talita distribuirá 500.000 ejemplares de estos calendarios solidarios.

Una vez más, bravo Plácido.


miércoles, 30 de noviembre de 2011

La zarzuela reluce y brilla más que nunca en Sabadell

Soprano, tenor y barítono de primera calidad.
Zarzuela… de la buena.
Dúos y arias que difícilmente se escuchan a menudo en los conciertos.
Todo ello aliñado por la Orquestra Simfònica del Vallès y con la guarnición del Cor dels Amics de l´Òpera de Sabadell.
Con este cóctel de ingredientes el resultado de la receta no podía ser otro que el de “bocatto di cardinale”.

Si se me permite esta jocosa introducción, Sabadell, los sabadellenses y algunos venidos de las cercanías, vivimos el domingo pasado en el Teatro de nuestra ciudad una tarde de aquellas que, sin lugar a dudas, personalmente, voy a tardar en olvidar. Por muchos motivos.

Que profeso un gran amor por la zarzuela, es por todos sabido, que intento no perderme ni una, también, pero cuando además está bien interpretada y se canta a conciencia, no se echan de menos los decorados, el vestuario ni la escena. ¿Para qué, si con las voces me es suficiente?


Por segundo año consecutivo, desde la A.A.O.S se ha tomado la decisión (dura, me imagino) de llevar a cabo “su” particular homenaje a la zarzuela. Ya desde el año 2005 han desfilado títulos como: “Doña Francisquita”, “Luisa Fernanda”, “La cançó d´amor i de guerra”, “La rosa del azafrán”, “Marina” y “Maruxa”.

El año pasado se sustituyó un título completo por un concierto con cantantes habituales de la casa, y dado el éxito obtenido (y – por que no, también decirlo-) los recortes sufridos en los presupuestos, la Faràndula se vestía ayer de gala con un público ávido de música y con ganas de pasar 2 horas y media (qué rápido pasaron) disfrutando de lo mejor de nuestro género.


DANIEL MARTÍNEZ GIL DE TEJADA que en esta ocasión ejercía de director de orquesta y del coro –del cual es titular- abrió la primera parte con el Preludio de “El tambor de Granaderos” de Ruperto Chapí, del cual debo destacar el buen balance musical así como las intervenciones del metal.
Su dirección fue enérgica y al tener la orquesta encima del escenario, el habitual volumen de la Simfònica no se interpuso en la voz de los intérpretes, dándonos la oportunidad de apreciar todas y cada una de las notas cantadas sin que estos se vieran ahogados por el sonido.

La primera intervención vocal corrió a cargo del barítono ISMAEL PONS que interpretó la romanza de Vidal Hernando de la “Luisa Fernanda” de Moreno-Torroba “En una dehesa de la Extremadura” junto al coro. Volumen, seguridad y un buen fraseo marcaron su interpretación, apostando por el final “alto”  en lugar del final en el que se mantiene la nota.
Y claro, arrancó los primeros “bravos” de la tarde.



Pero… qué tendrá la voz del tenor que nos fascine tanto… CARLES COSÍAS, salió al escenario para interpretarnos una pieza que raramente se escucha en concierto y -en ocasiones muy puntuales- en disco: “Bella niña de ojos negros y carita de azucena…” de la zarzuela del maestro Alonso “Coplas de ronda”.
Como bien dice el título de la obra, coplas de ronda, una hermosa serenata en la cual Carles pudo lucir su bello y dulce timbre. Además supo transmitir muy bien –con la cara y también gestualmente- la romanza. Se notaba que la estaba disfrutando al cantarla, la estaba viviendo.

Seguidamente, la madrileña SAIOA HERNÁNDEZ, a la cual tenemos también el privilegio de escuchar frecuentemente en Sabadell, se estrenó con “Tres horas antes del día”, de “La marchenera” de Moreno-Torroba, arropada por una breve introducción coral.
Saioa tiene un volumen de voz considerable, y además el fraseo es más que notorio, puesto que se le entiende todas y cada una de las palabras que está cantando. Agudos recios y bien colocados con un sentido extraordinario de la musicalidad.

Después del preludio de “La Verbena de la Paloma” y de sus archiconocidas “Seguidillas”, CARLES COSÍAS se metió en la piel de Rafael Ruiz “El Macareno” y SAIOA HERNÁNDEZ en el de Soleá, torero y gitana respectivamente, personajes ambos de la obra del maestro Penella “El Gato montés”.
Punto a favor: se empezó el dúo donde particulamente me gusta que se empiece, “Vaya una tarde bonita…” para dar paso al resto de la pieza. Y qué genial es ese trozo “Qué graciosa es mi gitana, qué preciosa, qué bonita…”
Pues lo mismo podríamos decir de la interpretación de Cosías. O la de Saioa, con su bello “Sí te quiero”…
Sólo me faltó al inicio ese “Soleá!” antes de que la gitana empiece con su “Me llamabas Rafaelillo?”.
Oles cómplices entre los dos cantantes, y en el teatro empezaba a subir ya la temperatura.
 
 


Inmediatamente después, ISMAEL PONS  cantó la preciosa romaza de “La del soto del Parral” de los maestros Soutullo y Vert, “Ya mis horas felices”, que tan de moda se ha puesto últimamente y no es por menos porque da muchas posibilidades al intérprete de lucirse en una infinidad de registros y “tempos”. Apostó por un “tempo” pausado que considero que es mucho más adecuado para dicho fragmento.
Particularmente, me hubiera gustado en su “Vivo, dominando mi pena” un poco más de suavidad e intención, rozando un hilo de voz, pero afortunadamente cada intérprete es diferente y todas las interpretaciones válidas. Y los gustos personales es otro mundo.

Puso el punto y final a la primera parte una zarzuela también, desgraciadamente, poco representada: “La leyenda del Beso” también de los maestros Soutullo y Vert. Y digo desgraciadamente por la dificultad que encierra esa obra de la cual se popularizó en su momento su “Intermezzo” con la adaptación hecha por el grupo “Mocedades” en su canción “Amor de hombre”.

De nuevo SAIOA HERNÁNDEZ exhibió su registro vocal y dicción. Me gustó especialmente en este fragmento por la variedad musical que encierra y porque de las notas más altas pasa a las centrales, haciendo el canto de Amapola, el personaje femenino de la obra, mucho más desgarrador, temperamental, como temperamental es el carácter de la gitana que interpreta.
Acompañada en todo momento por el coro, el resultado no podía ser mejor. Aplausos y bravos para la soprano madrileña.

Después de 30 minutos de descanso, el maestro GIL DE TEJADA, batuta en mano y puro en la boca, interpretó con el acompañamiento del coro una de las dos únicas piezas de la tarde que no había escuchado nunca: “Si es en el hombre un vicio el de fumar…” de “Los sobrinos del Capitán Grant” de Fernández Caballero.

Siguió otro de los momentos más especiales de la tarde: el dueto de Auroa y Germán de “La del soto del Parral”, también fragmentos de aquellos que cuesta que canten en concierto. Este dueto encierra una dificultad tremenda, sobre todo, a mi modesto entender, para la soprano pero lo cierto es que SAIOA HERNÁNDEZ lo interpretó de manera soberbia: qué seguridad, qué voz no cayendo en la trampa de presentar una Aurora frágil sino un personaje revestido de seguridad pero que encierra esa debilidad por dentro. Pero no lo exterioriza.
Por su lado ISMAEL PONS puso voz a Germán, al hombre torturado por una promesa hecha a su mejor amigo y que por guardar el secreto que la misma encierra, casi le cuesta el matrimonio con su esposa.
“De zagal mí sueño fuiste”… sonó especialmente bien, y he de decir que de las veces que le he escuchado ha sido el día que más me ha gustado.
Sin embargo, su “Ay Aurora yo te quiero”, a mi gusto, le faltó un poco más de impetuosidad y de convicción, pero eso, ya son gustos personales.

La primera tanda dedicada a la “Doña Francisquita” de Vives vino de la voz de CARLES COSÍAS con una excelente ejecución de la romanza de Fernando Soler. Cambio de tono en sus “Por una puerta del alma va saliendo la imagen muerta”… “Por otra puerta llama, la imagen qué podría curarme el alma…” quizás para mí junto con “Se me entra por los ojos y a veces sueño que yo la adoro…. Cariño de mí alma recién nacido, la llama extingue ah…” el momento más bello de la romanza, sin olvidar esa “vana ilusión…”
Creo que Carles siente especial devoción por esta romanza, la más bella de toda esta magna zarzuela.
Algo que me gusta destacar de este cantante es que además de tener un timbre bello el fraseo y su dicción son dos armas poderosísimas que posee y abogo por que desde teatros con más renombre se fijen en él (me consta que ya hay de esos), pero se merece una gran oportunidad en un gran teatro. Y puestos a pedir, que sea en Barcelona.
La lástima es, egoístamente hablando, es que cuando esto ocurra, vendrá con menos frecuencia a Sabadell, y los perjudicados seremos nosotros, los sabadellenses.
 
 

El coro de los Románticos de la misma zarzuela dio paso, sin movernos de Madrid a la preciosa zarzuela del maestro Serrano “Los Claveles”, de la cual SAIOA HERNÁNDEZ interpretó la romanza de Rosa, “Qué te importa que no venga”, que dicho sea de paso, escuché en “stereo”, puesto que las señoras que tenía al lado no dejaron de corear ni aún apercibiéndolas de que hicieran el favor de bajar la voz o callar.
No optó por el final agudo, terminó en reposo, y en estas piezas de temperamento es donde encontré a Saioa más cómoda.

Seguidamente sonó la romanza de la zarzuela “Maravilla” del maestro Torroba. Su intérprete fue ISMAEL PONS y para ser sincera, fue en la interpretación que me gustó menos la que más se alejaba de su estilo, y quizás también por estar acostumbrada a escucharla en tonalidad de tenor.

Tras “Maravilla”, de nuevo el teatro se desbordó en aplausos cuando CARLES COSÍAS entonó el bellísmo “Pirineu, tes blanques comes” de la zarzuela de Martínez Valls “La cançó d´amor i de guerra”, obra que ya interpretó el mismo Carles, íntegramente, en el año 2007.
Tocó la fibra del público al ser una romanza cantada en catalán de una zarzuela que es muy querida en Cataluña. Su interpretación fue muy diferente de la que escuché en ese ya lejano 2007:  no apostó por terminar con el agudo de rigor (y me pareció buena decisión) ya que no es necesario exhibir agudos para que el público aplauda cuando hay muchas cosas que se pueden destacar en la interpretación de un cantante, como el saber frasear, el saber interpretar dando sentido a cada una de las palabras, acentos y matices que encierran arias y romanzas que duran normalmente, menos de 3 minutos y medio.
A pesar de ello por su línea “Pirineu dolça serra, tota plena de neu”, pensé que de la manera en como lo atacó iba a acabar en “forte” pero afortunadamente me equivoqué.

Y dejamos el Pirineu para irnos a Zamora con “El cantar del Arriero” de Díez Giles, que en los años 90 interpretaron de forma integral els Cors de Sarsuela de Sabadell al mando de Mª Teresa Boix.
El fragmento escogido fue el concertante final del primer acto “De la ruta de Zamora”, que repasa todas las melodías ya escuchadas en el transcurso del primer acto: “Cómo quieres que el arriero al llegar, vuelva a grupas cuando a tu puerta llamó, no le niegues ese calor de hogar, que tanto soñó al andar por estos caminos de Dios...” o el célebre “La moza de Sanabria, es moza fiel en amores...”

Ya se sabe que en las zarzuelas el papel protagonista se otorga al barítono, y el tenor, en la mayoría de ellas queda relevado a un segundo plano.
No así ocurre con obras como “Doña Francisquita”, “Luisa Fernanda”, o “Bohemios”, y encontraríamos más, pero lo cierto es que en este “Cantar del Arriero” el tenor tiene poco a decir a parte de un dueto con Mariblanca en el segundo acto.
SAIOA (Mariblanca), COSÍAS (Anselmo) e ISMAEL PONS (Lorenzo) junto con el coro, concluyeron, “oficialmente” el programa.
Un concertante importante y difícil (por eso se canta y se representa poco esta fantástica zarzuela) que arrancó grandes bravos del público que llenaba la Farándula.

Pero claro, el público quería más, no era suficiente y no teníamos ganas de marchar, así es que, cada uno de ellos nos regaló una pieza en el capítulo de las propinas.

La primera intervención fue a cargo de CARLES COSÍAS que interpretó la célebre romanza de Leandro de “La tabernera del puerto” del maestro Sorozábal: “No puede ser”, que – como el propio tenor apostilló – nunca puede faltar en un concierto de zarzuela. En esta ocasión no la escuché en “stereo” al cien por cien, pero si que desde la fila de detrás iban apuntándole la letra a Cosías, que de sobras, todos conocemos.

Seguidamente SAIOA HERNÁNDEZ interpretó el conocido “zapateao” de “La Tempranica”, tan popularizada por la gran Montserrat Caballé: “La tarántula é un bicho muy malo”.

Y finalmente, una de las piezas más preciosas escritas para barítono en el mundo de la zarzuela: la canción del platero de “La Parranda” de Alonso. Al oir cuando lo anunciaba el propio ISMAEL PONS no pude contener un sonoro “ostres ja era hora...!” que debió escucharse en las filas más próximas.
De nuevo tuve que escucharlo en efecto “stereo”...
Yo también me la sé y no la tarareé... qué poco respecto a los artistas y al público.

La otra pieza del programa que no conocía fue, precisamente la misma con la que se concluyó definitivamente el concierto, un concertante breve que puso punto y final a 2 horas y media de buenos intérpretes y música.

Eché en falta en el programa autores como Jacinto Guerreo, Pablo Luna, Usandizaga o Guridi, y obras tan preciosas como “La rosa del azafrán”, o “Bohemios” o “La del manojo de rosas”... bueno supongo que será en otra ocasión.

Dice el refrán que “nunca segundas partes fueron buenas”... mí opinión es muy distinta puesto que comparandólo con el concierto de la temporada pasada, por intérpretes y por calidad vocal, pero también por repertorio, fue evidentemente superior.

Simplemente mejor interpretado.

Tardes de aquellas que sales satisfecha del teatro hay pocas, pero el domingo fue una de ellas. Y para aquellos que se lo perdieron, el próximo día 11 de diciembre se volverá a ofrecer el concierto en el Auditori de Sant Cugat.

La próxima cita con els A.A.O.S será con la dificilísima “Aida” en el mes de febrero.